2019. 06.13. 거제상문고 교사 박경윤

우리나라 지폐 속에 문화 유산이 들어있다! - 천원 편 -

우리나라 지폐의 주인공 인물들은 모두 역사적으로 유명한 인물들입니다.

그러면 화폐에 담기는 인물을 선정하는 기준은 무엇일까요? 미국의 화폐에는 주로 대통령과 같은 정치적인 인물이 그려져 있으나 우리나라에는 조선시대 위인들이 그려져 있습니다. 특정 종교나 외교적인 문제로부터 중립적인 인물들을 선정하기 위해서입니다.

1. 조선 시대 대표 유학자, 퇴계 이황

퇴계 이황(1501-1570)은 조선의 대표적인 사상가이자 교육자, 화가, 성리학자입니다. 퇴계 이황이 살던 16세기는 조선 사림의 성장기로, 이때 선비로서 수기(修己)하고, 사대부가 되어 치인(治人)하는 것을 목표로 했다고 합니다. 퇴계이황은 이런 수기치인의 자세를 평생 수행하며 살았습니다.

2. 퇴계 이황과 유생들이 공부하던 '명륜당'

천원권 퇴계 이황의 뒤에 있는 한옥은 ‘명륜당’으로 생원이나 진사 시험에 합격한 유생들이 공부하던 성균관 내 건물입니다. 퇴계 이황이 오래 머무른 명륜당은 현재 보물 141호로 지정되어 있음.

3. 퇴계 이황이 사랑한 사군자, '매화’

천원권의 명륜당 위에 있는 꽃은 바로 사군자의 선비정신을 나타내는 나무 중의 하나인 ‘매화’입니다. 사군자는 매화, 난초, 국화, 대나무 이 네 가지 식물이고, 퇴계 이황은 이른 봄 추위를 무릅쓰고 가장 먼저 꽃 피우는 매화를 가장 사랑했다고 합니다. 매화의 꽃말,  '고결한 마음,  인내’

4. 퇴계 이황이 머무르던 도산 서당을 그린 '계상정거도'

천원의 뒷면에 그려져 있는 이 그림은 바로 1746년에 그린 겸재 정선의 작품 “계상정거도”입니다. 이것은 퇴계 이황 생전에 머물렀던 도산 서당을 중심으로 주변 풍경을 담은 그림입니다. ‘계상정거’는 '모든 권좌에서 물러나 시냇물 흐르는 곳에 자리 잡고 고요하게 산다'는 뜻입니다. 이황의 호 '퇴계'의 뜻이 '조정의 일을 그만두고 시내로 물러나 있는다 '라는 의미로 퇴계의 뜻과 계상정거의 뜻이 일맥상통하고 있습니다. 경매에도 나와 결국 34억이라는 어마어마한 가격에 낙찰 받은 국가지정 보물이기도 합니다.

1970년대 급속한 경제개발과 고액화폐에 대한 수요가 늘어나 '오천원권'과 '만원권'이 발행되었습니다. 최초 오천원권 화폐에 등장한 율곡 이이의 모습은 서양인 같았다는 사실을 아시나요? 이이가 서구적으로 그려졌던 이유는 당시 화폐기술이 부족해 영국에 의뢰하여 발행했기 때문이라고 합니다.

1. 아홉 번 장원급제를 한 천재 유학자 ‘율곡 이이’

10만 양병설, 주기론, 기호학파, 오죽헌, 신사임당의 아들. ‘율곡이이’(1536 - 1548) 를 설명하는 수식어는 이렇게 많습니다. 율곡 이이는 어려서부터 신동이라 불리며 생후 1년도 안돼 말과 글을 깨우쳐 주변을 놀라게 했다고 합니다. 3세 때 이미 글을 깨우치고, 어머니 신사임당의 글과 그림을 따라할 정도로 비범했다고 하네요. 이후 아홉 번의 장원급제를 하고, 이황의 이기이원론을 비판하며 주기론을 만들기도 한 조선시대 대표 천재 유학자입니다.

2. 율곡 이이가 태어난 오죽헌의 몽룡실

율곡 이이가 태어난 오죽헌의 ‘몽룡실’은 한국의 주택 건물 중 가장 오래된 건물 중 하나라고 합니다. 이 방이 ‘몽룡실’이라 불리게 된 이유는 신사임당이 율곡 이이를 낳던 날 검은 용이 이 방으로 날아와 마루에 서려있는 꿈을 꾸었기 때문이라고 합니다. 강원도 강릉시 죽헌동에 있는 오죽헌 몽룡실은 현재 보물 165호로 지정되어 있습니다.

3. 오죽헌에서 자라는 검은색 대나무 ‘오죽’

이이가 태어난 ‘오죽헌’은 이 검은 줄기의 오죽이 집 주변에 많이 심어져 있기 때문에 붙여진 이름이라고 합니다.

4. 강원도 유형문화재 사임당의 ‘초충도’

오천원권의 뒷면에는 율곡 이이의 어머니인 신사임당이 그린 ‘초충도’.

초충도는 원래 8폭의 병풍에 그려진 그림으로, 오천원권에 그려진 것은 <수박과 여치>와 <맨드라미와 개구리> 2폭입니다. 현재 초충도는 강원도 유형문화재 제 11호로 지정되어 오죽헌시립박물관에 소장되어 있다고 합니다.

국가 차원에서 인재를 적재적소에 배치하고 활용하는 것이 매우 중요하다. 이러한 인재 등용을 가장 공평하고 지혜롭게 하기 위해 노력했던 조선시대 왕이 누구인지 아시나요? 바로 역사상 가장 위대한 업적을 세운 왕이라 손꼽히는 ‘세종대왕’입니다. 세종대왕은 집현전을 확장하고 젊은 학자들을 등용하여 인재 양성과 학문 진흥에 힘썼다고 합니다. 훗날 ‘성군’이자 ‘대왕’으로 불리게 된 기반은 바로 ‘집현전’입니다.

1. 백성을 진심으로 사랑한 ‘세종대왕’

세종대왕(1397~1450)은 우리나라 사람들이 가장 사랑하고 존경하는 위인으로 손꼽힙니다. 그 이유는 문자, 역사, 지리, 정치, 경제, 농사, 의약, 음악, 종교 등 일상 생활에서 백성들이 누릴 수 있는 모든 기술과 지식을 발전시키려 노력했습니다.

유네스코 세계 기록 유산으로도 등재 된 ‘훈민정음’ 백성을 가르치는 바른 소리라는 뜻의 훈민정음은 <세종 25년> 1443년 집현전 학자들을 중심으로 만들기 시작하여, <세종 28년> 세상에 알려졌다고 합니다. 훈민정음을 살펴보면 백성을 사랑하는 세종대왕의 지극한 마음을 알 수 있습니다. 그 마음이 담긴 훈민정음에 있습니다.

‘나라 말이 중국과 달라, 한문 한자와 서로 통하지 아니하므로, 어리석은 백성들이 말하고자 하는 바가 있어도, 끝내 제 뜻을 펴지 못하는 사람이 많다. 내가 이를 불쌍히 여겨, 새로 스물 여덟 글자를 만드니, 사람마다 하여금 쉽게 익혀, 날마다 씀에 편하게 하고자 할 따름이다.’

2. 조선시대 임금의 상징물 ‘일월오봉도’

일월오봉도는 다섯개의 산 봉우리와 해, 달, 소나무, 물이 일정한 구도로 배치되어 있습니다. 이 그림은 항상 왕의 뒤에 있고, 죽을 때도 같이 묻힌다고 합니다. 병풍만 있을 때에는 완성된 그림이 아니고, 왕이 앉아 있어야만 비로소 그림이 완성됩니다.

3. 조선시대 시가이자 최초의 한글 작품 ‘용비어천가’

“뿌리 깊은 나무는 바람에 흔들리지 않고,

샘이 깊은 물은 가뭄에 마르지 않고

시내를 이루어 바다로 간다” (제2장)

용비어천가는 위의 시구로 유명한 "한글로 쓰여진 최초의 시"입니다. 이 시는 조선 왕조의 역대 선조인 목조에서 태종에 이르기까지 행적을 노래한 것입니다. 모두 10권 5책으로 구성되어 있습니다. 그 내용은 임금이 된다는 것은 오랜 세월을 걸쳐 피나는 노력을 해야 하고, 덕을 쌓아 하늘의 명을 받아야 한다는 것을 강조하고 있습니다. 그리고 후대 임금은 어렵게 쌓은 공덕을 헛되이 하지 말것을 경계하려는 목적으로 만들어졌다고 합니다.

4. 장영실과 함께 만든 천체 관측기구 ‘혼천의’

5. 보현산 천문대 우리나라 최대 반사망원경 ‘광학천체망원경’

경상북도 소재 보현산 천문대는 우리나라 최대 반사망원경 1.8m ‘광학천체망원경’이 있습니다.

6. 조선시대 천문도 ‘천상열차분야지도’

혼천의의 뒷편에 그려져 있는 별 그림 보이시나요? 자세히 보면 이것은 천체의 형상을 그린 그림입니다. 이것은 태조 4년인 1395년에 제작된 ‘천상열차분야지도’입니다. 세계에서 가장 오래된 천문도로 과학적 의미가 남다르다고 합니다. 1985년에 과학 문화재로서 처음으로 국보로 지정되었습니다.

1. 시, 서, 화에 뛰어났던 최고의 여성

우리에게 율곡이이의 어머니로도 친근한 신사임당(1504-1551)은 평범한 현모양처 이상으로 시, 서, 화, 십자수, 성리학 등에 능한 여류 예술가였습니다.

신사임당은 아들, 딸에 차별을 두지 않는 교육관을 가진 아버지 덕분에 어렸을 때부터 천자문, 명심보감, 사서육경 등을 배웠다고 합니다. 아버지는 신사임당의 재능을 키워 줄 사윗감으로 이원수라는 사람을 점찍었고, 훗날 신사임당은 이원수 사이에 5남 3녀를 두게 됩니다. 조선 시대의 유교적 분위기 특성 상 여성이 예술 활동을 하기가 거의 불가능했지만, 아버지와 남편 이원수의 지지를 받아 신사임당은 꾸준히 시를 쓰고, 서예를 하고, 그림을 그릴 수 있었다고 합니다. 특히 어머니를 그리워하는 마음이 담긴 ‘사친 (思親)’이라는 시는 유명한 시이지요.

사친(思親)

천 리 먼 고향 산은 만 겹 봉우리로 막혔으니, 千里家山萬疊峯

가고픈 마음은 오래도록 꿈 속에 있네. 歸心長在夢魂中

한송정 가에는 외로운 둥근 달이요, 寒松亭畔孤輪月

경포대 앞에는 한 줄기 바람이로다. 鏡浦臺前一陣風

모랫벌엔 백로가 언제나 모였다 흩어지고, 沙上白鷺恒聚山

파도 위엔 고깃배가 오락가락 떠다닌다. 波頭漁艇各西東어느 때 강릉 땅을 다시 밟아서, 何時重踏臨瀛路

색동옷 입고 어머니 곁에서 바느질할꼬. 更着斑衣膝下縫

이렇게 효심이 지극했던 신사임당을 닮아 아들 율곡 이이도 부모님을 생각하는 마음이 각별했다고 합니다. 신사임당이 병에 걸리자 율곡 이이는 5살이었음에도 불구하고 매일매일 1시간 동안 기도를 올릴 정도로 어머니를 아꼈다고 하네요. 하지만 심사임당은 병이 점점 심해져 심장질환으로 향년 48세에 세상을 떠났습니다.

(출처: koreanessentials.com)

2. 풍요를 상징하는 신사임당의 작품, ‘묵포도도’

오만원권의 앞에 그려져 있는 ‘묵포도도(墨葡萄圖)’는 풍요를 상징하는 그림이라고 합니다. 신사임당은 일곱 살 때 화가 안견의 그림을 본떠 그리면서 실력을 쌓았는데요, 이때부터 산수화와 포도, 풀, 벌레 등을 그리기 시작했다고 합니다.

신사임당이 잔칫집에 초대된 어느 날, 국을 나르던 하녀가 어느 부인의 치맛자락에 국물을 엎어서 치마가 젖었는데 신사임당이 그 치마에 그림을 그리자 얼룩이 곧 포도송이가 되고, 싱싱한 잎사귀가 되기도 했다는 일화도 유명하지요. 이렇게 신사임당이 포도를 그린 치마는 당시 시장에서 매우 비싼 가격에 팔렸다는 후일담도 있답니다.

3. 닭이 실제 풀과 곤충인 줄 착각했다는 명화 ‘초충도수병’

일화로 가장 유명한 것이‘닭이 실제 곤충인 줄 알고 신사임당의 그림을 쪼았다’는 이야기이지요. 신사임당이 풀벌레 그림을 생동하는 듯이 섬세하게 그리고 난 후, 볕에 말리기 위해 그림을 마당에 내놓자 닭이 산 풀벌레인 줄 알고 쪼아대서 종이가 뚫어질 뻔했다고 합니다. 그만큼 빼어난 초충도를 그렸다는 것이지요.

오만원권에 그려진 ‘초충도수병(草蟲圖繡屛)’은 현재 보물 제595호로 지정되어 있고, 8폭 병풍에 화초와 곤충이 수놓아져 있다고 하네요.

4. 당대 매화 그림 중 가장 빼어난 작품, 어몽룡의 ‘월매도’

오만원권의 뒷면엔 ‘월매도(月梅圖)’라는 매화 그림이 그려져 있습니다. 월매도는 신사임당이 직접 그린 그림은 아니지만, 신사임당이 살았던 조선 중기 당시에 그려진 매화 그림 중 가장 유명하고 빼어난 작품이라고 합니다. 매화의 꽃말은 ‘고결한 마음, 인내’입니다.

5. 지조와 절개의 사군자, 대나무를 그린 이정의 ‘풍죽도’

사군자는 유교 문화권에서 군자로 비교되는 매화, 난초, 국화, 대나무 네 가지 식물을 가리키는 말입니다. 봄은 매화, 여름은 난초, 가을은 국화, 마지막으로 겨울에는 대나무가 상징 되지요. 대나무는 사시사철 푸르고 곧게 자란 성질이 있기 때문에 군자의 ‘지조와 절개’를 뜻합니다. “대쪽같은 사람이다”라는 말이 불의나 부정과는 타협하지 않는 본인의 지조를 지켜나가는 사람을 의미하지요.

오만원권에 그려진 ‘풍족도(風竹圖)’는 이정의 작품인데요, 이정은 목죽화에 있어서 조선시대 3대 화가로 꼽힐 정도로 실력 있는 화가입니다.

출처: 네어버 검색어:우리나라 지폐속에 문화유산이 들어있다.

2. 안견 〈몽유도원도〉

안견(安堅) 1447년,비단수묵담채,38.7×106.5㎝,일본 덴리[天理]대학교 중앙도서관 소장

조선초기를 대표하는 거장 안견의 분명한 진적인 〈몽유도원도(夢遊桃源圖)〉는 조선초 '최고의 명화'이다. 안평대군의 꿈의 장면을 그려낸 안견의 몽유도원도
안평대군은 조선의 4대 임금인 세종대왕의 셋째 왕자로(1418~1453년) 35세의 짧은 생애를 마친 문화와 예술에서 많은 업적을 남긴 훌륭한 인물이다. 세종대왕이 훈민정음을 반포하신 1446년 이듬해인 1447년 음력 4월 20일에 꿈을 꾸었다. 꿈 내용이 너무나 생생하고 희한하여 당대 최고의 화가인 안견에게 설명하여 안견이 꾼 꿈 내용을 듣고 3일 후인 4월 23일에 그려낸 최고의 걸작이 몽유도원도이다.
자기가 꾼 꿈도 그리기 어려운데 더구나 남이 꾼 꿈을 설명만 듣고 작품을 만들어 안평대군을 감동시킨 고객감동의 극치이다.

그림 자체는 큰 편이 못 되나 그림을 제작하게 된 내력, 제목 그리고 그림에 붙인 22명의 23편에 이르는 찬문(讚文)으로 명실공히 시서화를 두루 갖춘 작품이라 할 수 있다. 두 두루마리[卷](19.69m)형식으로 되어 있다.

우리나라 회화사상 신라의 솔거, 고려의 이녕 그리고 조선의 안견은 ‘삼대화가’ 라고 불리어 지고 있으나 전해오는 작품이 없고 오랜 세월 재난을 피해 기적적으로 유일하게 남아있는 작품이 안견의 몽유도원도이다.

[몽유도원도]가 어떤 경로로 일본에 건너갔는지 현재로서는 알 수 없지만 현재 일본 중요문화재가 되어 있습니다. 임진왜란 중 약탈당한 것으로 보입니다. 그러나 무슨 까닭인지 1949년 일본의 미술상이 한국에 몽유도원도를 팔려고 시도한 적이 있었는데, 60만 원(현재 가치 200억 원)의 부담 때문에 판매에 실패하고 일본 '덴리대학'에서 사들였다고 합니다. 국보급 문화재가 영원히 일본에 머물게 된, 안타까운 순간이었습니다. 최고의 그림, 최고의 명사들의 글, 그리고 안평대군과 계유정난의 역사가 새겨진 몽유도원도는 절호의 기회를 놓쳤으니 미래에도 되찾아 올 방법이 없는 것으로 보입니다.

몽유도원도 꿈 이야기
세종 29년 4월 20일 밤, 안평대군은 잠자리에 들자마자 정신이 아득해지며 깊은 잠에 빠져들었다.

그윽한 골짜기에는 복숭아꽃이 활짝 피어 있었다. 이때 한 노인이 나타나 말했다. “이 길을 따라 북쪽 골짜기로 가면 복숭아꽃이 만발한 들판이 나옵니다.” 모퉁이를 돌아서자 놀라운 광경이 나타났다. 탁 트인 들판에는 산이 병풍처럼 둘러쳤고, 아름다운 복숭아꽃이 무더기로 피어 있었다. 사방에는 구름과 안개가 자욱이 서려 황홀감을 더했다. 저만치 대나무 숲속에 자리 잡은 초가집의 사립문은 반쯤 열려 있고, 마을 앞을 흐르는 시내에는 조각배 한 척이 물결 따라 흔들리고 있었다. “허허…. 세상 어딘가에 신선이 사는 무릉도원이 있다더니 바로 이곳 인가 보구나!”

이튿날 안평대군은 당시 최고의 화가로 손꼽히던 안견을 불렀다. 그는 꿈 이야기를 한 뒤 그림을 부탁했다. 안견은 집으로 돌아와 꼬박 사흘 밤 낮을 매달린 끝에 드디어 그림을 완성했다.

그림을 펼쳐 본 안평대군은 입이 다물어지지 않았습니다. 그림이 너무 마음에 들어 손수 먹을 갈아 제목을 적었습니다. 〈몽유도원도〉, 말 그대로 ‘꿈속 복숭아 꽃밭에서 노는 그림’이란 뜻입니다. 안평대군은 이 그림이 천 년도 넘게 전해질 명작이라며 칭찬을 아끼지 않았습니다. 도대체 어떤 그림이기에 그렇듯 홀딱 반했는지 〈몽유도원도〉의 세계 속으로 들어가 보시죠!

그림을 읽으며 꿈길을 따라가세요

이 작품은 크게 세 부분으로 나눠 볼 수 있다.

화면의 왼쪽 아래에서부터 오른쪽 위로 꿈속에 나타났던 장면이 점층구조로 전개되고 있는데 왼쪽에는 현실세계가, 중간에는 무릉도원(武陵桃源)으로 가는 동굴과 험난한 길이, 오른쪽에는 복사꽃이 만발한 무릉도원이 펼쳐져 있다. 화면을 양분할 때 무릉도원이 있는 오른쪽은 마치 비행기에서 보는 듯한 부감(俯瞰)의 심원(深遠)이지만, 현실세계인 왼쪽은 평원(平遠)과 고원(高遠)으로 전개하고 있다.
이야기의 전개에 따라 왼쪽부터 오른쪽으로 옮겨 가는 구조인데, 안평대군의 꿈과 비교해 보면 참 재미있다.

먼저 그림의 맨 왼쪽 부분을 볼까? 산수화에서 흔히 보듯 높고 낮은 산이 그려진 풍경이다. 그림 아래쪽에는 두 갈래의 오솔길이 있는데, 하나는 야트막한 야산을 끼고 돌아 사라지고, 다른 하나는 중앙의 기암절벽으로 이어진다. 가운데의 기암괴석은 아주 흥미롭다. 왼쪽에 맹수가 머리를 치켜든 듯한 바위와 오른쪽에 뭉게구름처럼 하늘로 솟구친 바위가 마주 본다. 둘은 어둑한 골짜기를 사이에 두고 으르렁대는 모습이다. 맹수 모양을 한 기암절벽의 허리를 타고 구불구불 오르는 길은 연기 속에 묻히듯 사라졌다가 오른쪽 뭉게구름 바위의 틈바구니에서 불쑥 나타난다. 이 길이 바로 복숭아 꽃밭으로 연결된다.

맨 오른쪽 도화원 풍경은 가장 눈여겨봐야 할 곳이다. 복숭아꽃이 흐드러진 넓은 밭을 기괴한 암석이 병풍처럼 감싸는 가운데, 멀리 오른쪽 위로 ‘대나무 숲의 초가집’이 그려져 있다. 아래쪽으로는 냇가에 매어 놓은 ‘조각배 한 척’도 보인다. 모두가 안평대군이 꿈에서 본 모습 그대로이다.

이 그림을 그리게 된 직접적인 계기는 안평대군의 꿈이다. 하지만 진원은 「귀거래사(歸去來辭)」로 잘 알려진 전원시인 도연명(陶淵明)(본명 도잠, 365∼427)의 「도화원기(桃花源記)」이다.
무릉도원에는 고요만이 짙게 깔려 있는 듯 우선은 적막감이 들지만, 쓸쓸함이나 절망스런 분위기는 결코 아니다. 소리없이 보이지 않는 궤도를 따라 운행하는 대자연의 질서가 보여주는 평온함이다. 소요(騷擾)나 혼란으로부터의 해방을 추구하는, 원시림이나 피안으로의 도피 혹은 은둔과 같은 소극적인 개념도 아니다. 오늘을 사는 우리 현대인이 상실한, 그러나 동양이 이룩한 최고의 미적 가치인 '고요의 미학'이 무엇인지를 보여주는 것이다. 바로 이 중차대한 주제를 화가 안견이 그 나름대로 풀어냈다는 점에서 이 그림의 고전적인 위상이 더욱 빛을 발하는 게 아닐까.

안평대군은 세종대왕의 셋째 아들로서 천하의 명필로 이름을 날렸다. 그는 〈몽유도원도〉를 끔찍이 아끼고 사랑했다. 그리하여 긴 두루마리에 이 걸작이 탄생하게 된 사연을 글로 적고 시도 한 수 덧붙였다. 그뿐 아니라 성삼문, 박팽년, 신숙주, 김종서 같은 이름 높은 선비에게도 그림을 칭찬하는 시와 글을 짓게 했다.

이 모든 글 이 적힌 두루마리의 길이가 무려 20미터에 이른다니 정말 대단하지 않은가? 〈몽유도원도〉는 안견의 그림과 천하 명필 안평대군의 글씨를 비롯하여 한 시대를 주름잡던 인물의 글과 그림이 한데 어우러진 명품 중의 명품이라 이를 만하다.

몽유도원도는 왼쪽 하단부에서 오른쪽 상단부로 이야기를 펼쳐가는 구성으로 되어 있다. 왼편 하단부에는 정면에서 그린 현실 세계,가운데와 오른쪽은 꿈속 세계를 표현하였다. 복사꽃이 만발한 복숭화밭이 넓게 펼쳐져 있다. 기괴한 절벽은 과장적인 산의 돌출부와 울퉁불퉁하고 환상적인 도원의 세계를 느낄 수 있게 해 준다. 통일감이 있고 몇 개의 경관이 따로 독립되어 있으면서도 조화롭게 하나의 모습으로 나타나 있다. 오른쪽의 도원은 부감법俯瞰法(입체감)을 이용해 입체적으로 한 그림 속에 두 개의 시선이 함께 들어 있도록 평원과 고원, 심원 등 3원법三遠法이 자연스럽게 묘사되어 자연의 웅장함과 선경의 환상이 절묘하게 표현된 한국 산수화의 최고 걸작품이다.

박팽년이 처음부터 안평대군과 동행하여 무릉도원의 절경에 취해 있을 때 최항과 신숙주 두 사람은 홀연히 뒤에서 나타난 것으로 되어 있는데 나중에 이 두 사람은 수양대군 편에 서서 높은 공신에까지 오른다. 어쩌면 안평대군의 꿈의 계시는 이상 세계인 죽음과도 관련이 되어 1453년 계유정란때 수양대군에게 강화도로 유배되어 35세의 젊은 나이에 사사된 꿈의 예측이 그림으로 표현되어 졌다고 볼 수 있으며 안견은 그림을 통하여 안평대군의 꿈을 미리 예측할 수 있었을 것이다

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몽유도원도 – 예지몽?   그 뒷 이야기

안평대군은 정묘년(1447)에 도원을 여행한 아주 유명한 꿈을 꾸었습니다. 이 꿈을 기록한 게 바로 도원기이고 이를 그림으로 그린 게 안견의 몽유도원도이지요.

그런데 '도원기'의 내용을 살펴보면 아주 흥미로운 점이 눈에 들어옵니다. 바로 꿈속에서 안평대군과 함께 한 사람들입니다. 안평대군의 도원 유람에 동행한 사람은 박팽년과 신숙주, 그리고 최항입니다. 이 세 사람은 안평대군의 최측근이었으며 모두 집현전의 유망한 젊은 학자들이었습니다.

이 셋 중 박팽년은 처음부터 안평대군과 함께 합니다. - "나는 인수(박팽년)와 더불어 어느 산 아래 당도했다."
그런데 신숙주와 최항은 안평대군과 박팽년이 도원에 도착했을 때 홀연히 뒤에서 나타났다고 묘사되어 있죠. - " (…) 그떄 몇 사람이 뒤따라왔으니, 바로 정부(최항)와 범옹(신숙주)이었고, 함께 운서를 편찬하던 자들이다."

자, 흥미로운 점은 여기서부터 시작됩니다.

바로 이 세 사람이 계유정난 떄 보여준 태도가 상반되기 때문입니다.
앞서 신숙주와 최항이 꿈속에서 안평대군과 동행했다는 부분에서 고개를 갸우뚱 하신 분들이 계실지도 모릅니다. 우리에게 신숙주와 최항은 안평대군의 사람이 아닌 수양대군, 즉 세조의 사람으로 더 익숙하기 때문이죠. 맞습니다. 신숙주와 최항은 안평대군이 희생된 계유정난 당시 수양대군의 편에 서서 정난의 일등공신이 되었습니다. 세조가 정권을 잡은 후에는 그 아래에서 높은 관직에 오르기도 합니다.

이에 반해 박팽년은 수양대군이 난을 일으키고 왕위에 오른 후에도 충절을 지키며 단종의 복위를 추진합니다. 그러다가 계획이 탄로나 모진 고문 끝에 결국 목숨을 잃게 되지요. 사육신이라는 말이 바로 이때 나온 말입니다. (사육신? 단종의 복위를 도모하다가 발각되어 죽은 6명의 신하)

세 사람의 상반된 운명과 <도원기>의 내용은 물론 우연에 불과할 지도 모릅니다. 하지만 사건이 발생한 후 다시 살펴봤을 때 어딘가 묘한 기분이 드는 건 사실이죠. 혹시 예지몽은 아니었을까? 괜스레 이런 생각도 들고요.

안평대군은 꿈속에서 자신과 동행한 사람들에 대해 이렇게 기록했습니다.
"내가 좋아하는 친구가 많은데 어찌 도원에 노닐면서 이 사람들만 동행하게 되었는가. 이들과 사귐이 특히 두터웠던 까닭에 이렇게 된 것인 듯하다."

자신을 따르는 수많은 문인들 가운데 박팽년과 신숙주, 그리고 최항을 특히 아꼈던 안평대군의 마음이 느껴지는데요. 꿈은 현실의 반영이라는 말도 있죠. 아마 자신의 사람들과 뜻을 같이 하고 싶었던 안평대군의 간절한 바람이 꿈에 투영된 건 아닐까요?
한때 같은 곳을 바라보며 함께 길을 만들어나갔을 지도 모르는 네 사람. 그러나 역사의 갈림길에서 그들은 다른 길을 택했습니다. 그리고 그 길의 끝은 너무나 달랐습니다.

"이들과 사귐이 특히 두터웠던 까닭에…."

6년 뒤 엇갈리게 될 운명을 예상하지 못하고 꿈에 사로잡혀 단숨에 써내려 간 안평대군의 기록이 더욱 안타깝게 느껴질 뿐입니다.

한편, 안견은 예측능력도 뛰어나 안평대군이 북경에서 구입한 용매龍煤먹을 일부러 훔쳤다가 발각되어 안평대군과 소원한 관계가 된 것이 후에 안평대군과 가까이 지낸 많은 사람들이 화를 당할 때 혼자 화를 모면한 사실은 유명한 일화가 되었다.

3. 세한도[ 歲寒圖 ]  추사 김정희

추사 김정희 [세한도] 1844년, 국보 180호 수묵화, 23×69.2 cm, 국립중앙박물관

추사체의 창시자로 우리에게 잘 알려져 있는 조선 후기 추사 김정희(1786-1856)가 그린 [세한도(歲寒圖)]는 전문화가의 그림이 아니라 선비가 그린 문인화(文人畵)의 대표작으로 인정받아 대한민국 국보(國寶) 180호로 지정되어 있다.

이 세한도는 모든 지위와 권력을 박탈당하고 추사가 1844년 제주도에 유배되어 있을 때 추사 자신에게 제자 우선(藕船) 이상적(李尙迪)이 사제지간의 의리를 잊지 않고 역관(譯官)으로 북경에 갈 때 마다 북경에서 귀한 책들을 구하여 스승인 그에게 보내준 데 대한 답례로 그려준 그림이다.

김정희는 ‘세한도(歲寒圖)’라는 그림의 제목과 함께 ‘우선시상(蕅船是賞)’이라고 썼다. 우선(蕅船)은 이상적의 호(號)였다. ‘이상적은 감상하게나!’라는 의미였다. 그림을 마친 김정희는 마지막으로 ‘장무상망(長毋相忘)’이라는 인장을 찍었다. ‘오래도록 서로 잊지 말자’는 의미로 ‘나는 그대의 그 마음을 오래도록 잊지 않겠네. 그대 또한 나를 잊지 말게나. 고맙네. 우선(蕅船)!’

또한, 그림과 함께 써넣은 발문에서 스승에 대한 의리로서 훌륭한 덕목을 보여준 제자 이상적(李尙迪)의 인품을 공자의 논어 말씀 歲寒然後, 知松栢之後凋 (세한연후 지송백지후조, 날씨가 추워진 뒤에야 소나무와 잣나무가 늦게 시듦을 안다)에 비유하여 표현하고 칭찬하였다. 중국에서 추사를 흠모하는 친구들과 명사들이 많음을 아는 이상적은 이 그림을 중국에 갈 때 가져가 그들에게 자랑하며 보여주었고 그림과 글에 탄복한 명사 16명이 앞다투어 자신들의 소감을 그림에 적어 붙이게 되었고 후세 사람들도 추가로 써넣다보니 길이가 무려 14m에 달하게 되었다고 한다.

스승 김정희를 감동시킨 제자 이상적의 의리와 절개는 조선 지식인의 핏속에 면면이 이어져온 조선인의 의리이자 절개가 아니였을까?

출처 : [네이버 지식백과]세한도 [歲寒圖] - 추사 김정희 일부 참조

[세한도(歲寒圖)]는 조선후기의 학자 추사(秋史) 김정희(金正喜,1786〜1856)가 그린 그림이다. 전문화가의 그림이 아니라 선비가 그린 문인화(文人畵)의 대표작으로 인정받아 대한민국 국보(國寶) 180호로 지정되어 있다.

김정희의 증조부는 조선의 21대 임금인 영조(英祖)의 사위였다. 덕분에 김정희는 어린시절부터 남부러울 게 없는 생활을 하였다. 스물 네 살이던 1809년에는 해마다 청(淸)나라에 파견하는 사절단의 부사(副使)가 된 아버지를 따라 청(淸)나라의 수도 연경(燕京,지금의 베이징)을 다녀왔다. 이후 청나라 학자들과 교유를 통해 조선 최고의 학자로 성장하였다.

특히 금석학(金石學)과 서화(書畵) 방면에서 김정희의 명성은 청나라에서도 높았다. 청나라의 지식인들은 김정희와 교유하기를 희망하였고, 김정희의 연구 논문이 나오기를 기다리곤 하였다. 그러나 김정희가 45세 되던 1830년에는 부친 김노경이 전라도 고금도(古今島)에 유배되었고, 그로부터 10년이 지난 1840년에는 그 자신마저 제주도(濟州道)에 유배되었다. 모두가 정치적 투쟁 속에서 빚어진 일들이었다. 평생 고생이란 걸 모르고 살았던 김정희에게 제주도의 유배생활은 견디기 힘든 일이었다. 게다가 유배된 지 얼마 지나지 않아 가장 친한 친구 김유근(金逌根,1785~1840)의 사망 소식을 듣게 되었고, 또 사랑하는 아내와도 영원히 이별하고 말았다. 반대파들의 박해도 끊이지 않았다. 서울 친구들의 소식도 점차 끊어졌다. 그런 상황에서 김정희는 오직 책을 벗 삼아 지낼 뿐이었다.

김정희의 제자 우선(蕅船) 이상적(李尙迪,1804~1865)은 그런 김정희의 심정을 누구보다도 잘 이해하고 있었다. 통역관이었던 이상적은 중국에 사신으로 갈 때마다 최신의 서적들을 구해다 김정희에게 보내주었다. 그것들은 모두 쉽게 구할 수 없는 책들이었다. 그러다 한 번은 연경에 갔던 이상적이 『경세문편(經世文編)』이란 책을 구해다 보내주었다. 어렵게 구한 책을 권력 있는 사람에게 바쳤다면 출세가 보장되었을 텐데, 이상적은 바다 멀리 유배되어 아무 힘도 없는 김정희에게 보내주었던 것이다. 그 책을 받은 김정희는 가슴 깊은 곳에서 밀려오는 뭉클한 감정에 눈물

짓고 말았다.

이상적이 보내준 『경세문편(經世文編)』	세한도에 찍혀있는 ‘장무상망(長毋相忘)’ 인장

유배가기 전이나 유배간 뒤나 언제나 변함없이 자신을 대하고 있는 이상적의 행동을 보면서 김정희는 문득 『논어(論語)』의 한 구절을 떠올렸다.

「자한(子罕)」편의 ‘세한연후지송백지후조(歲寒然後知松柏之後凋)’라는 구절이었다. ‘겨울이 되어서야 소나무와 잣나무가 시들지 않는다는 사실을 알게 된다’는 의미이다. 공자(孔子)가 겨울이 되어 소나무나 잣나무가 시들지 않는다는 사실을 느꼈듯이, 김정희 자신도 어려운 지경을 만나고 나서야 진정한 친구의 의미를 알게 되었던 것이다. 김정희는 이상적이야말로 공자가 인정했던 송백(松柏)과 같은 사람이라는 걸 깨달았다. 무언가 선물을 하고 싶었지만 바다 멀리 유배된 신세에 할 수 있는 것은 아무 것도 없었다. 이상적의 뒤를 봐줄 수도 없었고, 그에게 돈으로 보답할 수도 없는 일이었다. 할 수 있는 거라곤 자신의 마음을 전하는 것뿐이었다. 그 때 김정희가 떠올린 것은 송(宋)나라 소동파(蘇東坡)가 그린 [언송도(偃松圖)]라는 그림이었다.

소동파가 혜주(惠州)로 유배(流配)되었을 때의 일이다. 어느 날 소동파의 어린 아들이 부친을 위로하기 그 먼 곳까지 찾아왔다. 어린 아들의 방문에 너무도 기뻤던 소동파는 아들을 위해 [언송도]라는 그림 한 폭 그리고, 아들을 칭찬하는 글을 썼다.

이상적이 보내준 책을 받아든 김정희는 소동파를 생각했다. 혜주로 유배되었던 소동파의 상황과 제주도로 유배된 자신의 상황이 비슷했다. 소동파를 위로하기 위해 멀리 찾아온 어린 아들의 마음이나 멀리서 어렵게 책을 구해다 자신에게 보내준 이상적의 의리나 비슷했다. 소동파가 [언송도]를 그렸듯이, 김정희는 자신만의 [언송도]를 그리기로 했다. 붓을 든 김정희는 자신의 처지와 이상적의 의리를 비유한 그림을 그려나갔다.

창문하나 그려진 조그만 집 하나, 앙상한 고목의 가지에 듬성듬성 잎을 매달고 그 집에 비스듬히 기댄 소나무 하나, 그리고 잣나무 몇 그루를 그렸다. 눈이 내린 흔적도 없지만 바라보기만 해도 한기가 느껴질 정도로 쓸쓸하고 썰렁했다. 김정희는 또 다른 종이 위에 칸을 치고 글씨를 써 내려갔다. 이상적의 의리를 칭찬하며 겨울에도 늘 푸른 소나무와 잣나무에 비유하는 내용이었다.

그림을 마친 김정희는 ‘세한도(歲寒圖)’라는 그림의 제목과 함께 ‘우선시상(蕅船是賞)’이라고 썼다. 우선(蕅船)은 이상적의 호(號)였다. ‘이상적은 감상하게나!’라는 의미였다. 그림을 마친 김정희는 마지막으로 인장을 하나 찍었다. ‘장무상망(長毋相忘)’이라는 인장이었다. ‘오래도록 서로 잊지 말자’는 의미를 담고 있다. 나는 그대의 그 마음을 오래도록 잊지 않겠네. 그대 또한 나를 잊지 말게나. 고맙네. 우선(蕅船)!

이렇게 그려진 [세한도]는 이상적에게 전달되었고, 이상적은 중국 연경으로 사신가는 길에 [세한도]를 가지고 갔다. 이상적의 중국 친구들은 그림을 보자마자 앞 다투어 이상적의 의리에 감동하고 김정희의 처지를 안타까워하는 글을 지어주었다. [세한도]에 담겨 있는 표면적인 의미는 이상적의 의리에 감동한 김정희의 마음을 형상화한 것이다. 김정희를 감동시킨 그 의리와 절개는 조선 지식인의 핏속에 면면이 이어져온 조선인의 의리이자 절개였다. 김정희는 그것을 누구나 느낄 수 있는 보편적인 감정으로 변환시켜 [세한도]에 담아냈던 것이다.

[네이버 지식백과]세한도 [歲寒圖] - 추사 김정희 (한국미술 산책, 박철상)

추사 김정희 세한도의 비밀

<차이나는 클라스>라는 프로그램에서 <나의 문화유산 답사기>로 유명한 유홍준씨가 나와 추사 김정희에 대하여 강의한 것이 있는데 무척 흥미로우니 한번 보라고 권유하였다.   -----------중략 --------------

‘세한도’는 추사가 직접 그림 제목을 쓰고 그 옆에 ‘우선시상(藕船是賞)’ 이라고 써넣어 제자를 위하여 그린 것임을 밝혔다. 그림과 함께 써넣은 발문에서 추사는 전에는 학문적으로 뛰어나지는 못했지만 이제 스승에 대한 의리로서 훌륭한 덕목을 보여준 제자 이상적(李尙迪)의 인품을 공자의 논어 말씀 歲寒然後, 知松栢之後凋 (세한연후 지송백지후조, 날씨가 추워진 뒤에야 소나무와 잣나무가 늦게 시듦을 안다) 에 비유하여 표현하고 칭찬하였다.  .........중략 -

그런데 붓글씨를 취미로 하는 필자가 이 세한도를 본 순간 떠오른 것은 이 그림이 신남종문인화도 아니요, 치밀한 기하학적 구조의 계산에 의한 그림도 아닌, 바로 추사 자신과 제자 이상적 두 사람만을 주제로 표현한 그림이라는 것이었다.

즉, 오른쪽의 소나무를 보면 추사 자신의 호 첫자인 추(秋) 자를 소나무로 표현한 것이요, 왼쪽의 잣나무는 제자 이상적의 이(李)를 표현한 것이라고 보았다. 특히 오른쪽 소나무의 아래 굵은 둥지 가운데가 늙어서 마치 껍질이 벗겨진 모습으로 그린 것은 추(秋)자의 오른쪽 글자인 불 화(火)를 표현하기 위한 것으로 보인다. 또한 자료를 찾아보니 잣나무는 보통 50m까지 자라고 소나무는 30m 정도로 자란다고 하는데 세한도의 잣나무는 소나무에 비하여 훨씬 작고 가늘게 그려져 있다. 이는 스승은 제자들이 늘 어린 자식처럼 마음에 여겨짐을 나타내는 것으로 볼 수도 있겠다. 자신을 노송(老松)으로 비유하여 껍질이 벗겨지고 구부러지고 휘어진 가지를 통해 굴곡의 삶을 살아가고 있는 추사 자신의 모습을, 젊은 역관으로서 중국을 오가며 활발하게 활동하고 성장하는 제자 이상적을 이제 막 커가는 잣나무로 표현하고자 한 것이 아니었을까? 또한 소나무 옆에 바짝 붙어있는 작고 보잘 것 없는 자신의 집을 그려 넣음으로써 이 소나무가 자신을 나타낸다는 확증을 보여주고 있다. 그리고 제자를 상징하는 잣나무는 아마도 제주도에서 멀리 떨어진 곳에 살고 있어 작게 그린 것일지도 모르겠다.

이런 생각으로 세한도를 다시 보니 추사가 고마운 제자를 다정하게 바라다보는 모습이 떠오르고 그림의 제목과는 달리 따뜻함이 느껴지니 차가움과 따뜻함이 어우러진 이 얼마나 기묘한 걸작인가!
4. 풀리지 않는 수수께끼 모나리자- 다빈치

레오나르도 다빈치는 1452년 피렌체 근처 '빈치'마을에서 태어났답니다.(1519년 사망) 그래서 이름이 '다 빈치' 즉 '빈치에서 온 레오나르도'란 이름으로 불리게 된답니다. 공증인인 부친과 시골 아낙과의 사이에서 태어난 사생아로 알려졌고, 갓난 아기였을 때 어머니와 헤어지면서 애정결핍으로 모성애에 대한 집착이 강한 사람이라고도 합니다. 또한 모정결핍으로 동성애자가 되었다는 주장도 있습니다.

14살때부터 그림을 시작했고, 26살 즈음에 독립하여 독자적인 예술의 세계를 펼치는데, 그의 천재적인 재능을 알아 본 그의 스승은 평생 더 이상 그림을 그리지 않았답니다.

그는 진정한 천재로서 건축가, 전술가, 발명가, 과학자, 해부학, 생리학 등 많은 분야에 관심을 가졌답니다. 또한 발명가로서 장갑차, 수륙양용차, 헬리콥터, 비행기, 자전거 등을 발명을 했습니다. 그래서 '르네상스맨'이란 명칭은 다빈치처럼 다방면에 재주가 뛰어 난 사람을 부르는 용어랍니다.

500년 동안 수수께끼에 싸인 미소, 레오나르도 다 빈치가 4년 동안 그리고도 미완성인 채로 끝났다는 <모나리자>. 이 위대한 걸작에 신비로움을 더하는 건 <모나리자>에 관한 많은 사실들이 오랜 세월 베일에 가려져 있기 때문이다.

16세기초에야 등장한 회화의 한 분야인 초상화 부문에서 모나리자의 미소가 단번에 걸작으로 손꼽힐 수 있었던 것은 입술 끝에 서린 신비로운 미소 때문이다.

초상화의 주인공은 피렌체의 귀족인 프란체스코 델 조콘다의 아내라는 설이 가장 유력하다.

<모나리자>란 제목에서 '리자'는 조콘다 부인의 애칭이며, '모나'는 귀부인에게 붙이는 존칭으로 모나리자는 '리자부인'를 의미한다.

그리고 모나리자가 입고 있는 옷은 상복이라고 말한다. 조콘다 부인은 이 그림이 그려지기 얼마 전에 어린 딸을 잃었고, 다 빈치는 그녀에게서 편안한 미소를 보기 위해 그림을 그릴 때면 음악을 연주시키거나 농담을 해서 그녀의 기분을 편안하게 하려고 노력했다고 한다.

또 다 빈치의 두개골 모양과 그림의 두개골 모양이 일치한다는 점에서 이 그림이 다 빈치의 자화상이란 설도 있다. 한편 이 초상에는 처음부터 눈썹이 없었다는 것이 확인되었는데 그것은 당시 넓은 이마가 미인의 전형으로 여겨져, 눈썹을 뽑아 버리는 일이 유행했기 때문이다.

파리 루브르 박물관이 소장한 세계적 보물 가운데 단연 으뜸인 <모나리자>는 한때 나폴레옹의 침실에 걸리기도 했으며, 조국 이탈리아의 품에 돌려주고 싶었다는 도둑에게 도난당하여 세상을 놀라게도 했다.

모나리자 그림에 감춰진 비밀들

1. 모나리자는 레오나드로 자신일 것이다.

1992년 미국의 컴퓨터 그래픽 전문가 릴리안 슈워츠 주장에 근거해 합성시킨 모습.

2. 모나리자가 신비로운 이유는?

	왼쪽 눈은 유혹하는 것이지만 오른쪽 눈은 거절하는 느낌과 왼쪽 입술 끝은 미소짓지만 오른쪽 입술 끝은 미소 짓는 느낌이 덜하다는 주장

3. 모나리자의 미소의 비밀은?

	모나리자의 미소가 가장 아름다운 미소로 꼽히는 것은 100%의 행복으로 충만한 것이 아니라 83%의 기쁨과 17%의 슬픔이 조화롭게 균형을 이뤘기 때문이라는 주장도 있습니다.

- 유혹하지만 절제를 품은 신비한 침묵의 미소...

미술사학자 '바사리'는 그녀의 우울한 표정을 없애고 즐겁고 밝은 분위기를 만들기 위해 다빈치가 그녀 앞에서 익살을 부리고 재담을 들려주며, 현악기 연주를 하였다고 합니다.

아마도 4년 전 사랑하는 어린 딸을 잃은 슬픔이 얼굴에 배어 있기 때문이라고 합니다. 정신분석학자 프로이트는 모나리자의 신비한 미소는 다빈치의 어머니 카테리나의 미소를 닮았다고 주장합니다. 어머니의 행복한 순간을 추억하고 그리워하면서 자신의 내면을 그렸다는 주장입니다.

또 프랑스의 정형외과 의사는 모나리자의 미소는 마비증세와 관련이 있다고 주장한답니다. 이는 왼쪽 미소가 이상하고, 손이 비정상적으로 크며, 왼손이 긴장하고 있는 것을 증거로 내세웠답니다. 그러나 당시 반쯤 웃는 모습과 가지런히 손을 모은 자세는 여성의 품위와 지위를 나타내는 표시였답니다.

모나리자가 미묘하게 미소를 띤 이유의 또 다른 최근 연구로는 팔레르모 대학의 병리 해부학 교수인 '비토 프랑코'는 모나리자 그림을 분석한 결과 그녀가 눈 주위 피부 밑에 콜레스테롤이 쌓이는 안검 황색종을 앓았던 것으로 나타났다고 밝혔답니다.

"모나리자의 공허한 눈빛은 콜레스테롤이 축적돼 생긴 것이고, 그에 따른 지방종양도 갖고 있는 것으로 보인다“

4. 언제 그렸나?

1500년 4월 24일 50세에 밀라노에서 살다 피렌체로 돌아왔고, 1503년부터 1506년까지 활동한 은행 거래 증거들이 있으며, 모나리자를 그린 시기와 일치한답니다. 1503년 다빈치는 리자 게라르디니(모나리자)를 피렌체에서 만나기 시작했답니다. 최근 산티시마 아눈치아타 성당에서 모나리자를 그린 작업실도 발견했다고 합니다.

1503~1506년경에 그려진 것이라 주장이지만 미완성이었기에 주문자에게 돌려주지 못했다는 설과 야릇한 미소를 띠고 있어 거실에 걸어 놓기 민망해 주문자가 거부했다는 설도 있답니다.

참고로 그는 10여점의 유화작품을 남기지만 반 정도는 미완성이라고 합니다. 20년이 지나도 주문 된 작품이 완성되지 않기에 법적 책임을 물기도 했답니다.

5. 왜 그리게 되었나?

모나리자 그림의 원본에 대한 논쟁은 끝이 없는 듯 합니다. 모나리자는 실제로 존재했던 인물로 '프란체스코 델 지오콘다'라는 비단 교역 상인의 아내 '엘리자베타'의 초상이랍니다.(다빈치의 상상 속 여인이란 주장도 있답니다.)

아마도 다빈치가 그림을 그린 이유는 상인의 주문에 의한 것으로 당시 리자 부인은 임신 중이거나 출산 직후였기에 선물을 위해 주문한 것으로 봅니다.(1502년 2째 안드레아의 탄생 기념 선물.)

최근 루브르 박물관에서 X-선 촬영을 해보니 모나리자의 의복 아래 속옷을 발견하였는데, 엷은 명주 망사로 된 속옷은 출산을 앞두거나 막 출산을 한 여인의 옷임이 밝혀졌답니다.

리자 부인은 1479년 생으로 몰락한 귀족 가문의 여성으로 귀족가문과 관계를 맺고 싶었던 프란체스코 델 조콩도의 아버지 바르톨로메오는 유력가문은 아니지만 안톤 마리아 게라르디니의가문과 두 번째 결혼을 결심하게 되었고, 리자는 16세가 되던 1495년에 19세나 연상이던 재혼남과 결혼했답니다.

이 그림은 포플러 나무 위에 유화로 그려졌으며, 원래 그림의 크기는 좀 더 넓어서 양 쪽에 고전적인 양식의 기둥이 있었다고 전해지기도 합니다.

<레오나르도 다빈치의 모나리자(Monna Lisa, 영어명), 혹은 라 조콩드(La Joconde, 불어명), 라 조콘다(La Giaconda, 이탈리아명으로 '명랑한 여자, 웃고 있는 여자'란 의미) 리자(Lisa)는 그녀의 이름 '엘리자베타'의 애칭. Madonna의 준말인 Monna는 '부인'이란 의미, 따라서 '모나 리자'는 '리자 부인'이란 의미.>

6. 뒤에 그려진 배경은 어딘가에 존재하는가?

그림의 배경이 된 풍경에 관한 비밀스러운 이야기들도 많습니다. 모나리자는 사실 미소보다는 배경이 더 중요한 포인트라는 주장도 있습니다.

다빈치의 조상들이 살았던 치안티 지역의 모습일 것이란 주장은 현 치안티의 풍경과 유사성이 있기에 주장이 나왔습니다.

또 다른 주장은 당시 유행하던 중국 그림의 영향으로 그리게 된 것으로 보기도 하며 알프스 산악지역의 풍경이라는 주장도 있답니다. 배경의 곳곳이 뭉개져 있거나 미완성인 채로 남겨졌다는 주장도 있답니다. 가까이 보이는 풍경과 멀리 보이는 풍경의 대조된다고 합니다.

7. 모리자의 자세의 비밀?

모나리자의 포즈방식은 콘트라포스토의 자세로 몸의 한 부분에 무게 중심을 놓고 인물을 비스듬히 그리는 것으로 몸은 왼쪽을 향하면서도 얼굴은 정면을 향하고 있는 자세를 말하는 것으로 자연스럽고 우아한 아름다운 이미지를 얻을 수 있다는 것입니다.

8. 살아 숨쉬는 듯한 느낌을 주기 위한 테크닉은?

다빈치는 살아있는 그림, 생명이 살아 숨쉬는 그림을 그리기를 위해 많은 고민을 했던 화가랍니다. 모나리자의 신비한 미소는 그가 치초로 제시한 '스푸마토' 기법(색깔 사이의 경계선을 명확히 구분 지을 수 없도록 부드럽게 옮아가게 하는 기법)의 힘이 크답니다.

이는 입술의 끝과 경계선을 흐릿하게 하는 기법으로 선은 사라지고 톤을 중시하게 된 기법이랍니다. 이런 기법으로 입술의 떨림이 사실적으로 재현됨으로써 지금도 모나리자의 그림은 죽은 자의 초상이 아니라 살아있는 그래서 우리와 교감하는 듯한 신비스러운 생생한 미소를 보여주기 위해 애를 쓴 천재화가가 이룩한 성과랍니다.

9. 눈썹은 그리지 않았다?

다빈치의 유화작품은 10여 점 정도로 상당히 부족하답니다. 게다가 미완성인 작품들도 많아 모나리자의 눈썹의 유무도 의심을 하게 만드는 것입니다.

4년간 모나리자를 그린 그는 결국 "그것을 미완으로 남겨두었다."라고 말했답니다. 모나리자의 그림에서 눈썹이 그려지지 않았다는 주장이 종종 제기되곤 하지만 새로운 주장에 의하면 원래 눈썹이 그려져 있었답니다.

프랑스 미술품 전문가 파스칼 코트는 “다빈치가 모나리자 그림을 완성하는 마지막 단계에서 특별한 유약 처리를 하고 그 위에 모나리자의 눈썹을 그려넣었다. 이후 오랜 시간이 지나면서 화학 반응에 의해 눈썹이 희미해졌거나 지워졌다”고 주장합니다. 일각에서는 16세기 당시 여인들은 눈썹을 그리지 않는 것이 유행했기 때문이라는 추측도 있습니다.

10.모나리자가 그려진 재료는?

모나리자 그림은 현대 화가들이 사용하는 캔버스 천에 그려진 것이 아니라, 백색 포플러 나무에 유향수지와 테레핀유 그리고 석회와 납성분이 함유 된 약품을 바르고, 이어 알콜과 비소 혹은 수은과 염화물을 바르고나서 잘 정제 된 끓인 기름을 바른답니다. 완성 된 표면은 기름기 제거를 위해 소변으로 닦아내고 미색표면이 될 때까지 갈아내어 준비합니다. 준비 된 화면 위에 유화물감을 이용해 최소한 4년 동안 그린 것이랍니다.

11. 오리지널 그림은 어디에?

1516년 64세에 그의 젊은 제자들(멜치와 카프로티)과 함께 프랑스로 건너간답니다. 프랑수와 1세는 20대 초반의 프랑스 왕으로 그들 앙부와즈 성으로 초대하였으며, 클로 뤼세 성을 그의 거처로 제공하고 지하 비밀통로를 만들어 놓고 직접적인 교류를 했답니다.

4년 후 1519년 5월 2일 레오나르도 다빈치는 프랑스 왕실에서 운명을 달리한답니다. 그가 프랑스로 건너가면서 <모나리자>와 <세례자 성 요한> 그리고 <성 안나와 마리아 그리고 예수>의 그림들을 가지고 갔기에 프랑스 왕실 역사상 가장 위대하고 현명한 선택을 하게 되었던 것이랍니다. 16년 동안 지니고 있던 모나리자를 그가 죽기 전 4,000리브르에 구매했거나, 그의 제자이자 유산 상속자였던 멜치가 왕에게 선물로 남겼다는 주장도 있지만...

12. 1911년 도난 사건의 진상은?

1911년 8월22일 프랑스 파리의 루브르 박물관에서 명화‘모나리자’가 감쪽같이 사라졌다. 프랑스 정부와 언론은 포상금을 내걸면서 이 사건을 대대적으로 보도하고 나섰고, 사라진「모나리자」는 일약 당대에서 가장 유명한 그림으로 떠올랐다.

2년 뒤인 1913년 3월12일 사람들이 도난 사실을 잊어갈 즈음 범인이 잡혔다. 작품 보호용 케이스를 만들던 기술자 중 한 사람인 빈센초 페루지아는 박물관 출입이 자유로운 기회를 이용하여 몰래 들고 나왔던 것이다. 범인 검거의 결정적인 계기는 이탈리아 피렌체의 한 미술상이 받은 편지가 증거가 됐다. 레오나르도라는 이름으로 보낸 이 편지에는 “모나리자를 내가 갖고 있다”고 적혀 있었다.

전 세계를 놀라게 한 절도 사건이었지만 페루자가 받은 형량은 고작 7개월이었다. 페루자는 작품 모나리자가 탄생지인 이탈리아에 있지 않고 프랑스에 있다는 사실에 격분해 그림을 훔쳤다고 주장했으며, 이탈리아에서 영웅대접을 받았다.그러나 모나리자는 레오나르도 다빈치가 프랑스 왕 프랑수아 1세에게 돈을 받고 팔아 넘긴 그림이다.

그 후, 일설에 도난 사건의 배후에는 에두아르도 드 발피에르노가 있었고 그는 6점의 모나리자 복제품을 만들어 진품이라 속여 큰돈을 챙기려한 계획이었다고는 하지만, 범인은 죽을 때까지 그 배후를 밝히지 않았다.

5. 나폴레옹 대관식, 루브르미술관 1805~1807년

루이 다비드 <나폴레옹 1세의 대관식> 1806~1807년 작 캔버스 높이6.21m, 가로 9.79m

자크 루이 다비드는 나폴레옹을 찬양하는 작품을 여러 점 남겼는데, 그 중 하나가 파리 루브르박물관에 전시되어 있는 높이 610cm, 폭 931cm의 ‘나폴레옹 대관식(Le Sacre de Napoleon)’이다. 그런데 실제 나폴레옹의 대관식은 1804년 12월 4일에 진행되었으나, 다비드는 그 이후에 제작의뢰를 받았으며, 작업은 1805년 12월에야 시작되어 1807년에 마무리가 되었다.

나폴레옹은 자신의 대관식을 기존 황제들이 행하였던 방식과는 다르게 진행하기를 원하였다. 예전의 황제들이 대관식을 거행하였던 장소는 행스(Reims) 대성당이었으나, 나폴레옹은 파리의 노트르담성당으로 대관식 장소를 결정하였다. 나폴레옹은 자신의 대관식에 교황 비오7세를 초대하였는데, 교황은 대관식에서 나폴레옹이 자신에게 무릎을 꿇음으로써 자신의 권위를 보여주기 위하여 초대에 응했다고 한다. 그러나 실제 대관식에서 나폴레옹은 교황으로부터 월계관을 빼앗아 자신이 직접 머리에 쓰고는 아내 조세핀에게 왕비의 관을 씌어줌으로써 자신의 권력이 교황보다 위에 있음을 천하에 선포하는 계기로 삼았다.

나폴레옹의 충성스런 부하들은 교황 비오7세를 로마로부터 반강제로 호송하였으며, 추운 겨울날씨임에도 불구하고 대부분의 참석자들은 오전 일찍부터 성당에 미리 도착하여 대기를 하였다고 한다. 그러나 나폴레옹과 가족들은 정오가 되어서야 노트르담성당에 도착하였고 그 이후에야 대관식이 진행되었다. 교황 비오7세는 나폴레옹의 무례한 행동과 더불어 오전부터 추위에 떨면서 나폴레옹 가족을 기다림에 지쳐, 거의 무표정으로 대관식을 지켜보고 있는 것으로 묘사되었다.

이 그림에서 나폴레옹이 하사하는 관을 받는 대상은 나폴레옹의 아내인 조세핀이다. 대관식이 진행되던 당시 조세핀의 나이가 41세였고, 나폴레옹은 35세로 6살의 차이가 났다. 더구나 조세핀은 나폴레옹과 결혼하기 전에 이미 사별한 전 남편과의 사이에서 낳은 자식이 둘이나 있었다. 거기에 낭비벽도 심하여 시어머니 입장에서는 조세핀을 며느리로 받아들이기 싫어하였고 대관식에도 참여하지 않았다고 한다. 그러나 다비드는 나폴레옹을 향한 충성심과 함께 자신의 특유한 창의력을 발의하여 나폴레옹의 어머니를 대관식에 참석시킨다. 사람들의 위에 세 명의 여인이 있는데, 그 중 가운데가 나폴레옹의 어머니이다.

결국 나폴레옹은 애를 못 낳는다는 이유로 조세핀과 이별을 하는데, 사실은 오스트리아의 황녀 마리 루이즈와의 정략결혼을 위해서였다. 조세핀 뒤에 다섯 여인이 나란히 서 있는데, 왼쪽에서부터 셋은 나폴레옹의 여동생들이고, 네 번째가 나폴레옹 동생의 아내(조세핀의 딸), 그리고 마지막이 나폴레옹 형의 아내다.

나폴레옹이 세인트헬레나 섬으로 유배된 후, 궁중화가 자크 루이 다비드는 벨기에로 망명을 떠난다. 다비드는 이 곳에서 나폴레옹 대관식 그림을 하나 더 그렸는데, 조세핀 뒤의 다섯 여인 중 두 번째인 나폴레옹의 여동생 캐롤린의 옷의 색상을 흰색에서 옅은 핑크색으로 바꾸었다. 당시 화가 다비드와 나폴레옹과의 관계가 악화되어 일부로 이렇게 표현했다는 의견과 함께 다비드와 캐롤린이 서로 사랑하였으며, 다비드가 이를 표현하기 위하여 캐롤린의 옷 색상을 바꾸었다는 설이 있다.

화가 다비드가 하나 더 그린 ‘나폴레옹 대관식’은 현재 베르사이유궁전에 전시되어 있다. 다비드는 대부분의 서양화가들이 하였던 것과 마찬가지로 그림 속의 황제의 대관식에 자신도 참여한 것처럼 표현하였다. 나폴레옹의 어머니가 앉아 있는 자리에서 위편 왼쪽 구석에 스케치북을 들고 있는 사람이 바로 ‘나폴레옹 대관식‘을 그린 화가 자크 루이 다비드 (Jacques Louis David)인 것이다.

나폴레옹의 대관식 – 명화의 뒤 이야기

이 단신의 장군을 우뚝 선 반신(半神)적인 인물로 보이게 하기 위해, 나폴레옹의 장엄하고 화려한 대관식에는 비용이 아낌없이 들어간다.

그 무엇도 운에 맡길 수는 없었다. 1804년 12월 2일 나폴레옹의 대관식을 위해서라면 비용 따위는 걸림돌이 아니었다. 오텔 데 쟁발리드의 교회당이 너무 작았기 때문에, 대관식 장소로는 노트르담 성당이 선정되었다. 주변 건물 중 마음에 차지 않는 것은 모두 허물었다. 성당이 충분히 웅장하지 않았으므로 서쪽 프론트를 모조 고딕 양식으로 증축해 덮었고, 내부의 성가대 칸막이와 두 개의 제단을 치우고 대신 위풍당당한 중앙 무대를 세웠다. 마차와 의상도 새로 제작했고, 엑스라샤펠 소장의 샤를마뉴의 칼을 비롯하여 왕권을 상징하는 가장 훌륭한 유물들을 구해왔다.

다비드는 작업실에 종이인형과 밀랍 인형을 설치하고 대관식의 주요 참석자들과 그들이 입었던 의상을 따로 꼼꼼하게 소묘하는 등 대관식의 분위기와 참석자들을 정확하게 재현하기 위해 많은 노력을 했다.

물론 장애물도 있었다. 교황 비오 7세는 나폴레옹과 조제핀이 대관식 전에 성당에서 결혼식을 올려야 한다고 고집했고, 나폴레옹은 교황에게 왕관을 받는다는 점, 선서를 하여 자신이 교황권에 의존한다는 것을 강조하게 되는 점, 미사 중에 영성체를 받는다는 점 때문에 주저했다. 그는 '독실한 가톨릭교도'가 되지는 않을 작정이었다.

나폴레옹은 이처럼 대관식에서 자신의 영웅됨에 대한 자기과시를 하였으며, 자신이 평민에서 정복전쟁을 통해 이와 같은 자리에 이르게 된 데 대한 자부심과 자기만족을 나타내었습니다. 다비드는 프랑스 혁명 정부에 충성했던 과거에서 자유로워지고자 했고, 나아가 새로운 지도자인 국가의 영웅 나폴레옹을 지지하고 그를 돕는 일을 할 수 밖에 없었다.

드디어, 완성된 대관식 장면은 엄숙하고 웅장했으며, 특히 나폴레옹이 왕관을 스스로의 머리에 얹는 순간은 절정이었다. 이렇게 해서 프랑스의 제1통령은 황제가 되었다.

나폴레옹은 자크-루이 다비드에게 완벽하고 영웅적인 대외 선전용인 대관식을 아래와 같이 미화하여 그려 달라고 주문했다.

.....미화된 그림 내용은? .....

1. 그림에서 나폴레옹은 실제보다 키가 더 커 보인다.

2. 그는 조제핀의 머리에 두 번째 왕관을 씌워 주는 모습이지만 실제 이런 일은 없었다.

3. 교황은 오른손을 들어 축복을 내리고 있지만 실제로는 그러지 않았다.

4. 어머니 레테치아의 모습이다. 실제로는 참석하지 않았지만 대관식이 잘 보이는 위치에 편안하게 앉아 대관식을 흐뭇하게 보고 있다. 어머니 입장에서 왕후 조세핀이 두 아이가 딸린 과부이며, 나이도 6살 연상인데다 나폴레옹을 쥐락펴락 하는 퇴폐적인 매력을 가졌다고 못마땅하게 생각하였으미 당연히 참석을 하지 않았다.

5. 모든 형제들이 조세핀을 냉대하고 적대감을 보여줬지만, 그림 속 모든 가족들은 모두가 환영하고 있는 화목한 모습을 보였다.

6. 조세핀의 나이가 41살이었지만, 그림 속에서는 너무나도 어리고 아름답게 그렸다.

7. 교황 비오 7세의 모습은 원래 사실처럼 교항의 양손을 무릎에 있었으나, 수정하여 한 손을 들어 두 사람을 축복하는 자세를 취하고 있다.

8. 대관식에 참관한 사람 중에 화가 자신의 모습도 그려 넣었다.(정중앙 커튼이 쳐진 이층석에서 스케치하는 사람)

9. 작품이 2개이다. 한 동안 베르사이유 궁전에 있던 작품을 1889년 루브르로 옮기도, 현제 베르사이유궁전에는 나폴레옹이 몰락한 후 브뤼셀로 망명한 다비드가 완성한 두 번째 그림이다.

두 작품 다 동일한 인물, 동일한 구도이지만, 자세히 보면 등장인물이 실제로 참석하지 않은 사람들로 바뀌었고, 등장인물들의 얼굴이 모두 더 나이가 든 모습으로 묘사되어 있다. 또, 그 때의 의상과 머리모양에도 새로 그림을 완성할 당시의 유행이 반영되었다고 하니, 정말 다비드가 대단하지 않나요?

대관식은 굉장한 선전 효과를 거두었다. 나폴레옹은 이 작품처럼 초인적인 인물이 되었으며, 권력은 그를 도취시켰다. 그러나, 10년 후 나폴레옹이 몰락함으로써, 오만에는 파멸이 따른다는 말이 여지없이 들어 맞았다.

다비드 – 그림으로 권력, 혁명을 선동하다

다비드는 〈마라의 죽음〉을 세 점이나 그렸다.

왜 그랬을까? 예술 작품을 남기려는 의도보다는 민중을 선동하려는 의도가 더 컸던 것 같다.

다비드는 1748년 8월 30일 파리에서 태어났다. 1774년 스물여섯 살 때 당시 화가들이 동경하던 로마대상을 수상하였고, 1775~80년 로마에 머무르면서 고전미술을 연구하였다. 그는 앵그르(Jean-Auguste Dominigue Ingres, 1780~1867)와 더불어 신고전주의의 대표적 화가이다.

다비드〈호라티우스 형제의 맹세〉1785년, 캔버스에 유채, 330×425cm, 루브르 박물관

파리로 돌아온 때는 막 혁명의 기운이 싹트기 시작하던 무렵이었다. 다비드의 최고 걸작인 〈호라티우스 형제의 맹세〉는 애국적인 내용을 담았다고 하나 혁명을 선동한 것도 사실이다. 그는 급진적인 자코뱅파에 가담하여 미술가로서 뿐만아니라 정치적으로도 큰 권력을 누렸다.

다비드는 자코뱅파의 지도자 로베스피에르(Maximilien Robespierre, 1758~1794)가 실각한 후 투옥되었다. 이후 나폴레옹 황제의 권력을 정당화하는 대작들을 그려 나폴레옹(Napoléon Bonaparte, 1769~1721)의 신임을 받고 정치적으로도 복권하는 데 성공하였다. 그러나 나폴레옹이 몰락한 후 1816년 벨기에 브뤼셀로 망명하여 끝내 조국으로 돌아오지 못하고 1825년 12월 29일 생을 마감했다

6.〈아테네학당〉라파엘로 산치오

〈아테네 학당〉 라파엘로 프레스코화, 823.5x579.5cm, 1510년, 서명의 방(바티칸 박물관)

산치오 라파엘로가 바티칸 성 베드로 성당에 있는 ‘서명의 방’에 그린 프레스코 벽화 〈아테네 학당〉은 가로 길이가 8미터가 넘는 대작입니다. 아테네 ‘학당’이라고 하지만 아카데미였을 테고 고대의 철학자와 천문학자, 수학자들 54명을 한데 모아 그린 일종의 집단 초상화입니다. 그리고 중세 이탈리아와의 합성이라고 해도 무방할 것 같습니다. 고대 학자들의 얼굴을 동시대 이탈리아인의 얼굴로 대체했기 때문입니다.

‘아테네 학당’은 17세기의 문인이자 학자인 조반니 피에트로 벨로리(Giovanni Pietro Bellori, 1615?~1696)가 그림이 고대 철학자들로 가득한 것을 두고 붙인 이름이다. 라파엘로는 54명의 철학자들이 모여 있는 이 공간을 평소 자신과 친분이 있던 도나토 브라만테의 성 베드로 성당 건축 설계도를 참고하여 만들어냈다. 브라만테는 고대 로마의 건축물을 모범으로 삼는 전형적인 르네상스 건축가였다. 와플 모양의 반원형 천장, 그리고 바닥, 계단, 벽체 등은 그림 정중앙의 소실점을 향해 일사분란하게 모여든다. 이 완벽한 원근법 덕분에 그 많은 인물들이 저마다 다른 자세를 취하고 있음에도 어수선한 느낌을 피할 수 있다. 배경이 된 건축물은 좌우로 대칭을 이루고 있고, 산만해 보이는 인물들 또한 큰 무리로 보면 좌우가 적당한 비율을 이루고 있다.

인물들의 늠름한 자세는 미켈란젤로의 그림이 떠오른다. 라파엘로는 피렌체 시절 미켈란젤로가 작업한 조각품들이나 당시 지척에서 작업하고 있던 미켈란젤로의 그림을 참조하여 작품 속 다양한 인물들의 자세를 그린 것으로 보인다. 그림 하단에 턱을 괴고 있는 헤라클레이토스의 왼편으로 한쪽 다리를 상자에 올린 채 몸을 비틀며 서 있는 파르메니데스만 해도 미켈란젤로의 미완성작 〈마테오 상〉을 단숨에 연상시키니 말이다.

미켈란젤로 〈마테오 상〉

대리석 / 271cm / 1503년 제작 / 아카데미아 미술관, 피렌체

라파엘로는 아폴론과 아테나의 대형 조각상을 각각 왼쪽과 오른쪽에 배치했다. 아폴론은 음악과 조화의 신이며 아테나는 지혜의 신이다. 그림 중앙에는 소위 ‘그리스 철학’을 언급할 때 단연코 떠오르는 두 거물 플라톤과 아리스토텔레스가 등장한다. 왼편의 플라톤은 자신의 저서 《티마이오스(Timaios)》를 끼고 서 있다. 이데아 등 관념세계를 주장하던 플라톤은 손가락을 위로 치켜든 채 저 높은 곳, 세상을 초월한 어떤 지점을 가리키고 있다. 곁에 선 아리스토텔레스는 역시 자신의 저서 《윤리학(Nicomachean Ethics)》을 들고 있는데, 그의 손바닥은 플라톤과 달리 ‘지상’을 향한다.

라파엘로는 고대 철학자들을 동시대인의 모습으로 담아내 그들에 대한 존경심을 표현하려 했다. 정중앙의 플라톤은 사실 레오나르도 다빈치다. 레오나르도 다빈치는 주로 밀라노에서 활동하다 1513년에야 로마로 입성했다. 그가 도착했을 당시 이미 미켈란젤로가 시스티나 성당의 천장화를 완성했고, 라파엘로 역시 맡은 대형 프레스코화 작업을 차곡차곡 완성하던 중이었다. 아마도 레오나르도 다빈치가 로마에 정착하지 못한 것은 이 대가들의 틈바구니에서 더는 이룰 것이 없었기 때문일지도 모른다. 그렇다 해도 라파엘로에게 레오나르도 다빈치는 미켈란젤로와 마찬가지로 위대한 스승이었다. 게다가 그는 겉으론 늘 자신을 애송이 취급하면서도 속으론 질투와 경쟁심에 불타오르는 미켈란젤로와는 격이 다른 존재였다.

플라톤과 아리스토텔레스 부분             헤라클레이토스 부분

미켈란젤로 역시 그림 속에 등장한다. 중앙 하단 턱을 손으로 괸 채 사색에 빠져 있는 헤라클레이토스가 그를 모델로 해서 그린 것이다. 그는 대리석으로 된 탁자 모양의 덩어리에 몸을 기대고 있다. 이는 그가 ‘돌’을 다듬어 형태를 창조해내는 조각가임을 상기시킨다.

그림 속 대부분의 사람들이 이야기를 나눈다거나 글을 쓰고, 그렇지 않으면 남이 하는 일에 관심이라도 보이고 있지만, 미켈란젤로는 그야말로 자신 속에 완전히 가라앉아 있을 뿐이다. 신경질적이고 꼬장꼬장한 미켈란젤로의 성격과 이 고립된 사색의 자세는 일견 통하는 데가 있다. 실제로 미켈란젤로는 따뜻한 성품으로 늘 주변에 사람이 끊이지 않는 라파엘로를 “패거리를 몰고 다니는 칼잡이” 같다고 비꼬았고, 라파엘로는 이에 “사형 집행인처럼 늘 혼자 다니시네요”라고 대꾸했다고 한다.

사실 미켈란젤로의 모습은 그가 〈아테네 학당〉을 다 완성한 지 1년이 지난 뒤에 덧붙여 그린 것이었다. 1511년 8월, 명목상 성모승천축일을 기념하기 위해 미켈란젤로는 일종의 중간점검 차원으로 교황과 측근들 앞에서 미완성의 시스티나 성당 천장화를 대대적으로 공개한 적이 있었다. 그날 라파엘로는 이 고독한 천재의 경이로운 작품에 넋을 잃었고, 찝찝한 개인적 알력에도 불구하고 그를 늦게라도 그려 넣음으로써 대가에 대한 자신의 벅찬 존경심을 표현하고자 했던 것이다. 정작 미켈란젤로는 자신을 중앙의 두 철학자처럼 주인공으로 그려 넣지 않고, 바닥에 찌그러져 앉은 모습으로 그린 것을 보고 크게 분노했다고 한다. 그럼에도 미켈란젤로는 시스티나 천장벽화 작업에서 라파엘로가 그린 자신의 모습, 즉 헤라클레이토스를 참고로 하여 예언자 예레미아의 모습을 그렸다. 장화를 신은 근사한 한 예언자, 예레미아는 결국 미켈란젤로 자신의 자화상이 된 셈이다.

한편 라파엘로는 자신의 로마 생활에 든든한 조력자가 되어준 브라만테를 기하학의 대가 에우클레이데스의 모습으로 담았다. 그리고 그의 무리들 뒤로 자신의 모습을 그렸다. 그림 제일 오른쪽 귀퉁이 하얀 옷에 하얀 모자를 쓴 남자 뒤, 그림 밖 관람객에게 시선을 던지는 자가 바로 라파엘로다.

계단 한복판에 보라색 망토를 깔고 거의 반라의 모습으로 비스듬히 누워있는 사람은 명예와 부귀를 천시했던 견유학파 디오게네스이다. 그는 대낮에 의인을 찾으려 등불을 들고 다닌 철학자로 유명하다. 온갖 재물과 명예 같은 것들은 아무 소용없다고 생각하여 쾌락을 멀리하고 간소한 생활을 추구했다. 그와 알렉산드로스 대왕 사이의 일화는 잘 알려져 있다. 알렉산드로스 대왕이 항아리에서 잠을 자고 있는 디오게네스를 찾아가 정중하게 대화를 청한다. 그리스, 소아시아, 나아가 온 세상의 정복을 바라는 알렉산드로스에게 그다음에는 무엇을 원하느냐고 묻자 “그렇게 하고 나면 아마도 좀 쉬면서 즐겨야 하겠지”라고 대답한다. 그러자 디오게네스는 “이상하군요. 왜 지금 당장 좀 쉬면서 즐기시지 않습니까?”라고 물었다고 한다. 이에 쓴웃음을 지으며 왕인 자신이 해줄 게 없느냐고 그에게 묻자 “햇빛을 가리지 마시오”라고 했다.

디오게네스를 가리키는 말로 자주 쓰이는 ‘견유학파’는 ‘개같이 사는 지식인’이라는 뜻으로 종교, 사랑, 철학 등 모든 세속적인 가치를 거부하는 이들을 말한다. 그는 당시 시체를 담는 항아리인 옹관에 살면서 일체의 문명, 관습, 법률을 거부했다. 동일하다고는 할 수 없지만 문명적인 사고, 거대한 국가적인 통일 등에 대해 거부감을 갖고 대항했던 노자, 장자와 비슷한 문제의식을 갖고 있었다고 할 수 있다. 동서양을 막론하고 고대국가의 사상과 법률을 정비하는 데 학문의 관심이 온통 쏠려 있던 그 시대에, 문명적 사고를 비판하며 인간 본래의 모습을 추구하고자 했던 디오게네스는 “플라톤의 각주에 불과하다”고 까지 여겨지는 서양 철학의 역사에서 의미 있는 이단아로 볼 수 있다.

1. 얼굴만 보이는 '고르기아스' : 그리스 철학자. 스스로 소피스트 학파로 여기지 않았으나 언어의 힘과 인간 사유가 상대적이고 불완전하다하여 소피스트 학파로 분류된다.

2. 상체를 벗고있는 '디아고라스' : 기원전 5세기의 그리스 철학자로 최초의 무신론자로 알려져있다.

3. 빨간 모자를 쓴 '크리티아스' : 고대 아테네의 정치가·철학자. 플라톤의 친척이자 소크라테스의 제자. 30인 참주의 장이 되어 공포 정치를 행하다가 8개월만에 타도되었다.

4. 누군가를 부르는 '아이스키네스' : 고대그리스의 정치가 겸 웅변가로 아케도니아파의 우두머리. 소크라테스의 열성적인 제자이며 그의 재판과 임종도 함께했다.

5. 투구를 쓴 '알키비아데스' : 소크라테스의 제자. 아테네의 영광과 오욕의 시기를 온몸으로 살았던 그는 아테네 시민의 사랑과 질시, 원망을 한 몸에 받았던 군인 겸 정치가.

6. 알키비아데스 뒤의 작은 '크세노폰' : 그리스 역사가로 소크라테스의 제자였지만 그의 진리를 이해하진 못했다. 참전 경험을 바탕으로한 <아나바시스>로 유명.

7. 소크라테스의 말을 흘려듣는 '알렉산더대왕' : 마케도니아의 정복대왕. 그림의 인물이 에스키네스이며 투구를 쓴 사람이 알렉산더 대왕이라고 말하는 사람도 있다.

8. 완두콩색 옷을 입고 설명 중인 '소크라테스' : 기원전 5세기 경 고대 그리스의 철학자. 너 자신을 알라.

9. 하얀 하의를 입은 '크세노크라테스': 플라톤의 애제자. 존재론에 심취

10. 플라톤의 손가락 아래에 '사포' : 고대 그리스의 여류시인 사포. 플라톤은 사포를 10번째 뮤즈(예술을 관장하는 9명의 신)라 불러야 한다고 했다.

11. 중앙에서 하늘을 가르키는 '플라톤': 고대 그리스의 철학자로 객관적 관념론의 창시자이자 소크라테스의 제자이다. 레오나르도 다빈치의 얼굴을 차용해서 그림.

12. 플라톤과 논쟁하는 '아리스토텔레스': 고대 그리스의 철학자이면서 윤리학, 정치학, 예술철학, 수학 등에도 유능했다.

13. 황금색 옷을 입은 '테오프라스토스': 그리스의 철학자 ·과학자. 플라톤과 아리스토텔레스에게서 배웠다. 식물학의 창시자이기도 하다.

14. 빨간 옷을 입은 사람 뒤에서 머리만 보이는 '아리스티포스' : 그리스의 소피스트계 철학자. 소크라테스의 제자이며 소크라테스 학파의 하나인 퀴레네학파의 창시자이다.

16. 팔짱을 낀 '플로티노스': 유럽 고대 말기를 대표하는 그리스의 철학자·신비사상가. 신플라톤주의의 대표.

17. 초록모자를 쓴 '제논': 그리스의 철학자. 파르메니데스의 가르침을 이어 "존재자는 하나이다"라는 설을 주장했다.

18. 월계관을 쓴 '에피쿠로스': 육체의 쾌락을 정신적 쾌락보다 중시한 그리스 철학자 겸 유물론자.

19. 흰 터번을 쓴 '아베로에즈' : 이슬람 학자로 인간의 영혼을 인식하는 가능 오성에 대한 주장이 가장 유명하다.

20. 구부린 '아낙시만드로스' : 밀레토스학파의 유물론 철학자로 탈레스의 제자라고 알려져있다. 천문학의 연구로도 유명하며 천구의를 만들었다고 한다.

21. 책을 든 '피타고라스' : 그리스의 종교가, 정치가, 수학자, 철학자. 만물의 근원을 수로 보았다. 두말할 필요없이 피타고라스의 정리로 유명하다.

22. 피타고라스를 쳐다보는 '아낙사고라스' : 그리스의 식민지인 소아시아 클라조메나이의 사람이다. 천체 현상을 비롯한 세상만물을 자연적 방법으로 이해하려했다.

23. 흰 옷의 아름다운 여인 '히파티아' : 이집트 신플라톤파의 대표철학자. 최초의 여성 철학자 겸 과학자로 수학에도 유능. 교양있는 여성으로 추앙받았으나 이교도로 몰렸다.

24. 짝다리를 집은 '파르메니데스' : 고대그리스의 철학자. 엘레아 학파의 시조. 존재론 및 인식론에 영향을 주었다.

25. 턱을 괸 '헤라클레이토스': 고대 그리스에서 변증법 사상을 가장 잘 표현한 철학자. 에페소스의 귀족 출신. 피타고라스학파와 대립하였다. 미켈란젤로를 모델로 그렸다.

26. 비스듬히 누운 '디오게네스' : 시대의 기인이자 석학. 자신을 찾아온 알렉산더 대왕에게 “당신 때문에 햇볕이 들어오지 않으니 비켜서달라”고 말했던 일화가 유명하다.

27. 컴퍼스를 돌리며 설명하는 기하학의 '유클리드': 그리스 수학자. '유클리드의 기하학'으로 유명하다.

28. 천구를 손에 들고있는 '조로아스터': '아후라 마즈다'라는 최고신으로부터 직접 계시를 받았다고 주장했으며, 조로아스터교의 창시자가 되었다.

29. 노란옷을 입고 천구를 든 '프톨레 마이오스': 2세기 중엽에 알렉산드리아에서 활동한 그리스의 천문학자로서 천동설의 완성자.

30. 흰 옷에 힌 모자 '소도마' :  이탈리아의 르네상스시대의 화가. 레오나르도 다 빈치, 페루지노, 라파엘로의 영향을 받았다.

★ 관객들을 쳐다보는 '라파엘로': 내가 과연 이 천재들 사이에 껴도 되는가 또는 오만한 표정으로 쳐다보는 작품의 화가 라파엘로

그러나, 각각 인물들에 대해서 라파엘로가 직접적으로 언급한 바가 없기 때문에 인물들에 대해서는 다양한 해석도 존재하고, 미지의 인물도 존재한다.

때문에 오히려 더 많은 사람들의 흥미와 관심을 불러 모으는 것이 아닐까?

그 덕에 우리는 르네상스의 거장 3인의 얼굴을 〈아테네 학당〉에서 함께 볼 수 있는 즐거움을 누릴 수 있는데요. 계단 위 정중앙에 서서 검지를 들어 하늘을 향해 가리키는 하얀 수염의 노인 플라톤은 라파엘로가 평생 존경한 레오나르도 다 빈치의 얼굴입니다. 계단 아래 대리석 탁자에 턱을 괴고 앉아 사색에 잠긴 이는 철학자 헤라클레이토스, 그는 “우리는 같은 강물에 두 번 발을 담글 수 없다”는 유명한 말을 남겼고 그의 철학은 니체 사상의 근본이 됐습니다. 위치나 크기 면에서 그림에서 가장 눈에 띄는 인물인데, 바로 미켈란젤로의 얼굴입니다.

라파엘로가 바티칸 시스티나 성당의 천장에 〈천지창조〉를 그리고 있는 미켈란젤로를 보고 크게 감명을 받아 〈아테네 학당〉에 그의 얼굴을 그려 넣었다는 설이 있지만 그 이유가 전부는 아니었을 것 같습니다. ‘세상의 근원은 불’이라고 주장했던 헤라클레이토스입니다. 그 ‘불’이란 조화와 원리를 이루는 데 필요한 대립과 투쟁을 의미했지요. 라파엘로는 〈천지창조〉를 그리느라 그야말로 고군분투 중인 미켈란젤로에게서 헤라클레이토스의 면모를 읽어냈을 것입니다. 그러나 정작 미켈란젤로는 라파엘로가 자신을 그린 것을 불쾌하게 여겼다고 하지요. 라이벌인 라파엘로의 그림에 자신이 등장한다는 자체가 찜찜했던 모양입니다. 게다가 다른 인물도 아닌 헤라클레이토스라니, 생전에 조소와 비웃음을 서슴지 않았던 인물이었으니 라파엘로가 자신을 비꼬는 것으로 느꼈을 수도 있습니다.

라파엘로는 자신의 얼굴도 수줍게 그려 넣었습니다. 그림의 맨 오른쪽, 아치형의 기둥 너머에 그리스 복장과는 동떨어진 초록색 베레모를 쓴 젊은 남자, 그가 바로 산치오 라파엘로입니다. 이로써 〈아테네 학당〉에 르네상스의 거장 3인이 한 자리에 모이게 됐습니다. 이번에는 이 거장들이 누구와 함께 시공간을 초월한 이 상상 속 아테네 학당에 있는지 주요 인물을 중심으로 살펴볼까요.

플라톤 옆에서 손바닥을 따을 향해 펼친 사람은 아리스토텔레스입니다. 둘이 가리키는 손의 방향은 각각 이상주의와 현실세계를 상징하지요. 왼편에 플라톤에게 등을 돌린 자세로 사람들에게 열심히 이야기하는 대머리 남자가 보입니다. 소크라테스입니다. 그의 강연을 투구와 갑옷 차림으로 듣는 젊은이는 알키비아데스입니다. 그는 소크라테스가 사랑하는 미소년이었습니다. 명문가라는 배경에 그리스는 물론 페르시아까지 소문이 자자했을 만큼 준수한 외모, 유창한 웅변술에 우수한 두뇌까지, 모든 조건을 갖춘 이 소년은 자라서 아테네 정계의 중심에 섰고 지도자로 도약하기 위해 펠레폰네소스 원정을 준비했습니다.

그런데 엉뚱한 스캔들에 휘말려 스파르타로, 스파르타에서 다시 페르시아로 망명하는 신세가 되고 말았습니다. 알키비아데스의 이런 행보는 펠레폰네소스 원정 실패로 이어졌고, 아테네의 시민들로 구성된 배심원들이 소크라테스의 사형 판결에 손을 드는 비극을 낳았습니다. 아테네의 영광이자 오욕인 알키비아데스 뒤에서 반대편을 바라보며 손을 들어 누군가를 부르는 사람은 아이스키네스입니다. 그는 소크라테스가 독배를 마실 때 함께 있던 제자입니다. 자, 이제 계단 아래로 가봅니다.

그림 왼편에 큼지막한 책을 펼치고 필기 중인 이는 피타고라스, 그의 필기를 어깨너머로 바라보는 터번 쓴 이는 이슬람 학자 아베로에스입니다. ‘정신은 육체의 죽음과 동시에 끝난다’는 주장을 했다고 하지요. 그 옆에 월계관을 쓰고 선 채 필기 중인 이는 에피쿠로스입니다. 그가 주장한 쾌락주의는 육체적 쾌락이 아니라 정신적 쾌락이었고, 그의 생애는 무소유와 금욕에 가까웠는데 후세의 사람들이 간혹 오해하고 있습니다.

시선을 오른편으로 훌쩍 옮겨봅니다. 허리를 굽혀 컴퍼스로 흑판에 뭔가를 그리고 있는 남자는 에우클리데스입니다. 지금 기하학을 강의하는 중인 모양입니다. 에우클리데스의 뒤로 천구의를 든 사람들이 보입니다. 등을 돌리고 선 이가 천문학자 프톨레마이오스, 맞은편에 흰색 옷을 입은 사람이 조로아스터, 자라투스트라로도 불리는 바로 그 인물입니다. 프리드리히 니체의 《차라투스트라는 이렇게 말했다》와 이 책에 영감을 얻어 리하르트 슈트라우스가 작곡한 〈차라투스트라는 이렇게 말했다〉의 ‘차라투스트라’, 그리고 볼프강 아마데우스 모차르트의 오페라 <마술피리>에 등장하는 ‘자라스트로’로 우리 귀에 익숙한 이름이지요.

그러나 이들 작품 속 인물은 실제 조로아스터와는 관계없고 현자로서의 면모를 차용해 새로운 인물을 창조한 작품들입니다. 조로아스터가 서양인에게 신비롭게 느껴졌다는 것도 관련이 있었겠지요. 그런데 조로아스터는 페르시아의 국교를 창시한 인물로 가톨릭의 입장에서는 지옥에 떨어졌을 것이 틀림없는 이교도의 교주일 뿐입니다. 가톨릭교회 안에 ‘정신은 육체의 죽음과 동시에 끝난다’는 주장을 설파한 이슬람 학자와 이교도의 창시자를 등장시킨 것은 가히 파격을 넘어서는 수준입니다. 라파엘로가 이 그림에서 보여주는 파격은 또 있습니다.

그림에서 라파엘로와 함께 유일하게 정면을 응시하는 인물이 있습니다. 중앙에서 약간 왼쪽에 서 있는 흰색 옷을 입은 금발의 젊은 미인입니다. 여성인지 남성인지 긴가민가하지만 여성입니다. 그녀의 이름은 히파티아, 그리스 사람이 아니라 이집트 사람이고 서양 역사에서는 ‘플라톤의 정신과 아프로디테의 육신’으로 불리며 신격화됐습니다. 히파티아는 수학사에 최초로 등장하는 여성이며 기원전 4세기에서 5세기 사이, 고대의 뉴욕이라 할 수 있는 알렉산드리아에서 가장 훌륭한 강의를 한 수학자이자 철학자였습니다. 빼어난 미모 때문에 가는 데마다 화제였고 많은 남성에게 구혼을 받았지만 “나는 진리와 결혼했노라”라는 말로 모두 물리쳤다고 하지요. 이쯤 되면 라파엘로가 왜 아테네 학당에 히파티아를 그렸는지 근거가 충분합니다. 그녀는 〈아테네 학당〉에 등장하는 유일한 여성입니다. 히파티아가 이 그림에 무사히 남기까지 우여곡절이 없을 리 없습니다.

라파엘로는 처음에 히파티아를 그림 중앙에 그렸습니다. 그런데 그림을 본 주교가 당장 지우라고 했다고 하지요. 히파티아가 알렉산드리아의 주교였던 키릴로스에게 이교도로 몰려 잔인하게 죽임을 당했기 때문입니다. 히파티아가 고대의 훌륭한 수학자이자 철학자였음에도 불구하고 그녀가 어떤 이론을 정립했고, 어떤 강의를 했는지 전혀 알 수 없는 것은 그녀가 쓴 책이 죽음과 동시에 한 권도 남김없이 모두 불에 태워져버렸기 때문입니다. 그러나 라파엘로는 포기하지 않았습니다. 그가 주교의 눈을 속이기 위해 생각한 방법은 이러했습니다. 먼저 그리스 철학자 파르메니데스를 당대의 유명한 지휘관이었던 로베레를 모델로 그린 다음, 그의 우람한 체격 뒤에 히파티아를 숨기듯이 그려 넣은 것입니다.

그럴 듯한 이 이야기는 그러나 사실이 아닐 가능성이 큽니다. 왜냐하면 이교도가 히파티아 한 명은 아니니까요.

결론적으로 이 그림은 카톨릭교회 안에, 그것도 교황이 머무는 공간에 있어서는 안 될 그림입니다. 이 말을 다시 뒤집으면 교황이 의도적으로 이교도를 그리게 한 그림이라는 뜻이 됩니다. 이런 문제작을 그리게 한 교황은 바로 율리우스 2세입니다. 교황치고는 희한할 정도로 미술에 관심이 많아서 미켈란젤로와 라파엘로를 끊임없는 경쟁구도로 몰어넣어 많은 작품을 생산하게 만들었을 뿐 아니라, 오늘날의 바티칸 미술관을 태어나게 한 사람입니다.

바티칸은 성 베드로의 묘지가 있는 세계적인 성지이자 세계적인 예술의 도시입니다. 르네상스와 바로크 시대의 건축물과 미술품 대부분이 바티칸에 집중돼 있다고 해도 과언이 아닌데요. 이 이교도적인 기획과 전시를 주도한 이가 바로 교황 율리우스 2세였습니다.

율리우스 2세는 왜 그랬을까요?

바야흐로 르네상스의 시대였습니다. 율리우스 2세에게는 ‘전사교황’이라는 별명이 붙어 있는데 교황이라는 사람이 전쟁의 선봉에 섰기 때문입니다. 율리우스 2세가 성 베드로 성당을 재건하고 자신의 전담 군대를 유지하고 전쟁을 치를 돈이 어디에서 나왔을까 생각하면 뇌물과 횡령 등이 떠오르지요. 그는 이탈리아 르네상스의 정점을 이끈 동시에 가장 타락한 교황 중 한 명이었습니다. 지독한 열병에 시달리면서도 전장에 나섰을 만큼 용맹한 ‘전사교황’이었지만 1513년 2월, 병에 걸려 자리에 눕더니 끝내 다시 일어나지 못했습니다.

미켈란젤로가 율리우스 2세로부터 온갖 스트레스를 받으며 처절한 고통 속에 〈천지창조〉를 4년 6개월 만에 완성한 지 불과 석 달 후였습니다

7. 고흐를 홀려버린 자포니즘

19세기 유럽을 강타한 자포니즘(Japonism)과 인상파

자포니즘(Japonism)이란, 19세기 중엽 유럽에서 일어난 일본문화에 대한 취미 또는 심취를 이르는 말이다. 프랑스어로 '자포니슴 (Japonisme)'이라 한다.

자포니즘은 일시적으로 유행한 것이 아니고, 당시 구미 선진국에서 30년 이상이나 지속된 사회현상으로 르네상스에 필적하는 서양의 근대적 미의식과 과학적 시각(perspective)이 형성된 변혁운동의 한 단계이다. 특히 19세기 중엽 만국박람회(국제전람회)에의 출품 등을 계기로 일본미술이 주목을 받아, 인상파와 아르 누보(Art Nouveau) 누보의 작가들에게 큰 영향을 끼쳤다.

19세기 중엽 : 쇄국 정책에서 개국 정책으로 전환 일본의 많은 문물이 유럽과 미국으로 건너가게 되면서 유럽과 문화교류를 하게 된다.

1867, 1874년의 프랑스 파리 만국 발람회에 출품하기 위해 일본의 도자기 포장지로 사용된 ‘우키요에’를 보고 놀람. 이에 각 집집마다 걸어두는 유행, 특히 화가들에게는 특별한 느낌으로 다가가는 계기가 되었다.

우끼요에 ; 목판화이기 때문에 화면의 구도는 평면적으로 나타나지만 선명하며 강렬한 색채, 과감한 시선처리, 세밀하며 뛰어난 드로잉, 유동적이며 대담한 화면 구성과 이국적인 아름다움이 매력적이다.

때문에 아까 처음에 보여드렸던 모네의 ‘기모노를 입은 카미유’나 고흐의 모작에서도 볼 수 있듯이 서민의 통속적인 사고가 선명하게 반영된 우키요에는 19세기 유럽의 근대 회화에 서민들의 통속적인 사고가 선명하게 반영된 일본 서민들의 통속적인 사고가 선명하게 반영되었던 목판화 ‘우키요에’가 독특한 매력으로 유럽인들에게 전파되면서 '자포니즘'이라는 유행을 만들어 졌다.

에두아르 마네의 ‘피리부는 소년’

우키요에의 인물화 구도와 같이 배경이 없고 명암이 적으며 검은색과 붉은 색의 대비로 유럽의 사실적인 묘사와 함께 우키요에의 강렬함을 가지고 있습니다.

모네는 30년간 231점의 우키요에를 수집했고 ‘일본다리가 있는 연못’그의 생가인 지베르니를 우키요에로 장식하길 즐겨 식당에만 56점을 걸어 두기도 함.

빈센트는 1888년에 남부 프랑스의 아를로 내려가면서 예술가들의 공동체를 만들 꿈에 부풀어 있었다. 고갱과의 동거는 그런 공동체의 첫발을 내딛는 것이었다. 빈센트는 남부 프랑스를 일본과 동일시했다. 물론 반 고흐는 일본에 가 본 적이 없고, 건조하고 바람이 강한 아를의 기후는 일본의 기후와 전혀 달랐다. 이즈음에 빈센트가 동생 테오와 주변 사람들에게 보낸 편지를 보면 빈센트 자신이 그 무렵 예술가와 예술의 이상적인 존재 방식을 ‘일본’에 투사했음을 알 수 있다.

‘나는 일본인이 그들의 작업에서 모든 것을 극단적으로 분명히 하는 태도가 부러워. 그것은 결코 우둔하지도 급히 서두른 것처럼 보이지도 않아. 그들의 일은 호흡처럼 단순하고, 그들은 마치 조끼의 단추라도 꿰듯이 간단히 정확한 몇 줄의 선으로 인물을 그려.
아아, 나도 몇 줄의 선으로 인물을 그릴 수 있도록 해야 해.[...]’- 반 고흐가 동생 테오에게 보낸 편지(1888년 9월 24일)

자포니즘은 단순히 예술적인 부분에만 영향을 준 것이 아니라 더 나아가 화가들의 삶과 세계에도 큰 영향을 끼쳤다. 고흐의 경우 일본을 상상속의 나라, 상상속의 이상향적으로 생각하고 말년에는 갈 수 없는 일본을 대신해 프랑스의 아를을 일본과 동일시 하며 자신의 상상속 일본의 사람들과 같은 삶을 살아가고자 노력했다고 한다.

고흐의 사례에서 볼 수 있듯이 자포니즘은 19세기 서양 미술과 인상파 화가들의 방향성에 큰 영향을 끼쳤다. 그 영향은 단순히 예술적 영향에만 국한된 것이 아니라 화가들의 정신적인 면과 생활상에 있어서 까지 그 범위가 넓었다.

8. 최후의 만찬... 이야기

최후의 만찬에 나타난 예수와 유다의 차이

다 빈치의 명작인 “최후의 만찬”에 얽혀 있는 뒷 이야기는 매우 흥미스럽고 또 많은 교훈을 준다. 화가 다빈치가 “최후의 만찬”을 그릴 때에 있었던 두가지 사건은 사람이 자신의 선택과 의지의 활용 여하에 따라서 어떤 인생을 살아가게 되는가를 보여주는 좋은 예증이다.

올바른 생각과 잘못된 생각, 올바른 사상과 잘못된 사상, 그리고 올바른 선택과 잘못된 선택이 우리 자신의 생애에 어떤 영향과 감화를 주는지에 대한 가장 적절한 교훈이 “최후의 명작”을 그리는 과정에서 일어났다.

“최후의 만찬湛?이태리의 저명한 화가인 레오날도 다 빈치에 의해 그려졌는데, 그 그림은 완성되기까지 7년이 걸렸다. 그림에 나오는 예수님과 열두 제자들의 모습은 모두 그 당시 사람들을 모델로해서 그려졌다. 다 빈치는 예수의 모습을 그릴 수 있는 모델을 제일 먼저 선택하기로 결정하였다. 그는 “최후의 만찬”이라는 위대한 걸작을 그리기로 결정한 후에 수백명의 젊은 청년들을 만나 보면서, 그들의 얼굴 모습에서 무죄함과 아름다움을 동시에 겸비하고 있으며 상처가 없고 죄로 인해 찌들어진 모습이 전혀없는 그런 얼굴을 찾으려고 애썼다. 여러 주일을 애써서 찾은 결과 19살 된 젊은 청년이 예수의 초상을 그릴 모델로 선정되었다. 6개월 동안 다빈치는 “최후의 만찬”에 있어서 주인공 예수를 그리기 위해 전력을 다했다.

그 후 6년동안 다 빈치는 계속해서 그 작품의 완성을 위해 노력했다. 열두 제자들을 위한 모델들이 하나씩 하나씩 선택되었다. 모든 인물들이 완성되었고, 마지막으로 유다의 모습이 그려질 공간만이 남게 되었다. 유다는 우리가 잘 아는대로 은 삼십량, 오늘날의 계산으로 $16,96의 돈으로 그의 주님을 배반한 제자였다.

여러 주일동안 다 빈치는 자신의 가장 친한 친구를 배반한 자의 성격을 묘사할만한 사람, 사납고 굳어진 얼굴, 범죄적이고 외식하며 속이고 탐욕의 상처로 얼굴이 얼룩진 사람을 찾기 위하여 이태리 전국을 뒤졌다. 유다의 모습을 나타낼 수 있는 모습을 가진 사람이 있다는 소식을 듣고 수많은 사람을 찾아가 보았지만, 결과는 번번히 실패로 돌아갔다.

어느 날, 극심한 실망에 빠져 있던 다 빈치에게 한 소식이 전해졌는데, 그것은 로마의 감옥소에 사형 집행 날짜를 기다리고 있는 한 살인수가 있는데, 그 사람이야말로 다 빈치가 찾고 있는 사람의 조건을 모두 갖추고 있다는 것이었다. 다 빈치는 즉시로 로마 형무소를 찾아 갔고 그 사형수는 감옥에서 잠시 놓여 태양의 밝은 빛 아래서 다 빈치를 만나게 되었다. 거기에서 다 빈치는 검게 탄 얼굴, 긴 덥수룩한 수염과 빗지않은 머리칼이 그의 얼굴을 덮어버린 사람, 악의가 넘치고 완전히 파괴되어 버린듯한 배반자의 모습을 보게 되었다. 드디어 이 위대한 화가는 그가 그릴 유다의 성격을 대표할만한 사람을 찾게 되었던 것이다.

로마 황제로부터 특별한 허락을 받아 이 죄수는 그림이 그려지고 있는 밀란으로 옮겨졌다. 몇 달 동안 이 죄수는 매일 정해진 시간 동안 다 빈치 앞에 앉아서 천재적인 화가가 구세주를 배신하고 팔아먹은 자의 얼굴을 열심히 화면에 담는 모습을 지켜보았다. 다 빈치는 “최후의 만찬”의 끝마무리를 마치던 날, 사형수를 지키던 간수에게 이제 그림이 끝났으니 이 죄수를 다시 돌려보내도 좋다는 말을 했다. 간수들이 죄수를 끌고 나가려고 하는 순간, 그가 갑자기 간수들의 통제에서 벗어나서 다 빈치에게 달려와 크게 울부짖으며 말하기를 “오! 다 빈치여 나를 자세히 보십시요! 내가 누구인지 모르십니까?

다 빈치는 자신의 고도로 훈련된 예리한 눈으로 육개월 동안 계속해서 쳐다보아 왔던 그 사람의 얼굴을 다시 한번 더 자세히 살펴본후에 “아니오, 나는 당신이 로마의 감옥에서 내 앞에 오기 전까지 내 일생에 한번도 본적이 없오” 라고 대답했다. 그러자 그 죄수는 그의 눈을 하늘로 향하여 “오, 하나님, 내가 어쩌다가 이런 모습으로 전락되었나이까?” 라고 절규하였다. 그리고는 곧 그의 얼굴을 다 빈치에게 돌리면서 울부짖기를 “레오날도 다 빈치여! 나를 다시 한번 보십시요. 내가 바로 당신이 칠년전에 예수의 모습을 그릴 때 이 자리에 앉아 있었던 그 사람이요.”

“최후의 만찬”의 그림에 얽힌 이 이야기는 실제이다. 한 사람의 잘못된 선택과 그릇된 생각, 그리고 인생에 대한 빗나간 견해가 인생 전체를 파멸로 몰아 넣을 수 있다는 교훈이 이 이야기 속에 담겨져 있다. 오늘 어떤 선택과 어떤 사상과 어떤 신앙을 갖고 살아가느냐에 따라서 내일의 나의 생애가 꼴지워지고 형성되는 것이다. 죄악 많은 이 세상에서 고결한 성품과 죄에 물들지 않은 생애로 인하여 에수의 형상을 그릴수 있을만큼 아름답고 무죄한 모습을 소유하고 있었던 청년이 부절제와 죗된 생각과 타락의 길을 걸어간 후에 이 세상 역사의 가장 비열한 배신자로 알려진 인물을 표현하기에 가장 적합한 자로 변하는데 불과 칠년이라는 세월이 소요되었다.

악에 대항하여 선을 선택하라. 미움에 대하여 사랑을 선택하라. 거짓에 대항하여 진실과 정직을 선택하자. 그러한 마음과 생애는 우리의 모습과 삶에서 예수 그리스도의 형상을 반사하는 열매를 가져다 줄 것이다.

[출처] 최후의 만찬에 나타난 예수와 유다의 차이 |작성자 나엘

최후의 만찬에 대한 또 다른 이야기

레오나르도가 이 시기에 무엇 때문에 그리 바빴는지는 알 수 없지만 다양한 일을 동시에 진행해야 했고 <최후의 만찬>을 완성하는 데는 2~3년이나 걸렸다.

레오나르도는 <최후의 만찬>에 등장하는 제자들의 얼굴을 그릴 때 밀라노 거리의 행인들을 관찰하여 참고한 것으로 추정된다. 예수의 얼굴은 모르타로의 추기경 측근인 공작 조반니를 모델로 했고 손은 파르마의 알레산드로의 것을 모델로 한 것으로 전해진다. 바사리와 지랄디에 의하면 1497년경 레오나르도는 열한 명의 제자와 유다의 몸을 그렸지만 유다의 머리는 그리지 않았다. 일 년이 넘도록 작품이 완성되지 않자 수도원 측의 불평이 이어졌다. 이에 레오나르도는 수도원 신부들은 예술에 관해 전혀 아는 바가 없을 뿐 아니라 화가는 노동자처럼 작업하지 않는다고 변명했다.

전하, 작품에서 유다의 머리만 완성되지 않았음을 알고 계실 것입니다. 유다는 모두가 알고 있듯이 소문난 악한이기에 그의 사악함에 걸맞는 얼굴이어야 합니다. 저는 이것을 찾느라 거의 일 년 동안 흉포한 자들이 득실거리는 보르게토로 가고 있습니다. 하지만 아직도 제가 생각하는 그런 악한의 얼굴을 발견하지 못했습니다. 악한의 얼굴을 찾기만 하면 바로 완성할 수 있습니다. 저의 연구가 결실을 맺지 못하고 있다면 전하께 저를 모함한 자가 바로 유다에 합당할 터인즉 그자의 얼굴을 대신 그려놓겠습니다.

결국 레오나르도는 자신이 원하는 얼굴을 발견했고 작품을 완성시켰지만 <최후의 만찬>은 혹평을 받았다. 바사리 시대의 사람들은 “현혹스러운 착색”에 지나지 않는 작품이라고 냉대했으며, 1624년 카르투지오 수도회(1086년 성 브루노가 프랑스 샤르트리우스에 개설) 수사 사네스는 “볼거리라고는 아무것도 없다”고 했다.

이 시기 수도원의 벽을 자르고 부엌으로 통하는 문을 만들면서 예수의 다리와 테이블 커버 일부가 잘렸다. 괴테에 의하면 1500년과 1800년 두 차례의 홍수로 그림이 심히 파손된 것으로 전해진다. 1796년에는 나폴레옹의 당부에도 불구하고 프랑스 군인들은 사용하지 않던 식당을 마초를 저장하는 곳으로 사용하고 공화국 기병들은 제자들의 얼굴에 벽돌을 던지면서 재미있어했다. 2차 세계대전 말에는 폭탄이 식당 지붕에 떨어졌지만 다행히도 레오나르도의 작품은 모래주머니들로 가려져 있어서 파손되지 않았다.

9. 알렉산더 콜더 –모빌 창시자

콜더는 몬드리안, 미로, 뒤샹 등과 친하게 지냈는데, 특히 몬드리안의 작품에 큰 매력을 느껴 이런 생각을 했다.

“몬드리안의 작품을 움직이게 하고 싶다.”

참으로 신선한 발상이 아닌가?

몬드리안의 작품이 갖는 특성과 알렉산더 콜더가 기계공학을 공부했던 것이 모빌을 만들게 된 바탕이 되었던 것이다.

이러한 몬드리안의 그림을 알렉산더 콜더는 이렇게 움직이도록 만들었다.

모빌은 균형을 맞추어 물체들을 공중에 매달아 바람에 흔들리도록 만든 것으로써,

만약 알렉산더 콜더가 대학에서 기계공학을 공부하지 않았다면 이러한 작품은 탄생하지 않았을 것이다.

그러니까 알렉산더 콜더의 창의성은 그냥 나온 게 아니라 사실이다.

10. 살아있는 비너스, 앨리슨 래퍼

외모지상주의 속 진정한 미의 기준 생각해보자

▲ 마크 퀸,‘살아있는 비너스, 앨리슨 래퍼’대리석, 높이 4m, 2005, 런던 트라팔가 광장

‘밀로의 비너스’는 양팔이 떨어져 나갔지만 여전히 아름답다. 아니, 어쩌면 그 때문에 더욱 아름답게 느껴지는 것인지도 모른다. 지난해 영국 런던 트라팔가 해전의 승리를 기념해 만들어진 영국 런던의 트라팔가 광장에 넬슨 제독 동상과 함께 자리를 차지하고 있는 한 여자의 조각상이 있다. 지난 2006년 한국을 다녀간 바 있는 영국의 구족(口足)화가이자 사진작가인 앨리슨 래퍼(Alison Lapper, 1965~)의 조각상이다. 이 작품은 팔이 없는 ‘밀로의 비너스’상을 빗대어 ‘살아있는 현대의 비너스’라 부른다. 영국의 조각가 마크 퀸(Marc Quinn, 1964~)이 임신 9개월째였던 앨리슨 래퍼를 모델로 해 만들었다.

래퍼는 임신부가 수면제나 신경안정제를 복용했을 경우 그 아기에게 나타날 수 있는 해표지증(海豹脂症, Phocomelia: 팔다리가 바다표범처럼 짧은 증세)을 안고 태어났다. 두 팔이 없고 기형적으로 짧은 다리를 지니고 태어난 래퍼는 생후 6주 만에 거리에 버려져 19년 동안 복지시설에서 자랐다. 스물한 살 때 결혼했지만 남편의 폭력 탓에 9개월 만에 헤어졌고, 1999년 주위 사람들의 만류에도 불구하고 장애인의 몸으로 혼자서 아들 패리스를 낳았다. 그녀는 이런 상황에서도 어린 시절부터 꿈꿔왔던 미술공부를 시작해 미술대학을 졸업하고 예술가로서 새 인생을 개척했다. 신체적 장애와 가정폭력의 아픔을 딛고 일어나 입과 발로 그림을 그리는 구족화가 겸 사진작가가 됐다.

래퍼는 장애가 있는 자신의 몸을 숨기기보다는 작품의 소재로 삼는 적극적인 방식으로 장애를 극복해 왔다. 그녀는 “팔 없이 태어났다는 이유로 나를 기형이라고 여기는 사회 속에서 육체적 정상 상태와 미의 개념에 물음을 던진다”고 당당히 말한다. 래퍼는 2003년 스페인 ‘올해의 여성상’과 영국 왕실에서 수여하는 대영제국 국민훈장을 받았고, 2005년에는 ‘세계여성상’을 수상했다.

◆신체적 장애를 남과 다른 아름다움으로 승화 시킨 앨리슨 래퍼
그녀는 지난 한국 방문 중 있었던 인터뷰에서 자신은 운이 좋게도 긍정적이고 낙천적인 성격을 타고 났고, 태어날 때부터 갖고 있던 장애를 편안하게 받아들이고 살아가는 법을 배웠다고 했다. 남들이 자신을 어떻게 생각하느냐는 자신이 신경 쓸 일이 아니며, 비록 장애인이지만 자신도 다른 사람들처럼 인간으로서 느끼는 모든 것을 느끼고 또한 드러낼 권리가 있다고도 했다. 자신의 작품을 통해 그녀는 자신의 정체성을 내면세계를, 그녀가 가진 조금은 남과 다른 아름다움을 당당하게 표현하고 있는 것이다.

그녀의 그런 모습이 8등신의 소위 ‘얼짱’ ‘몸짱’보다 더 당당하고 가치 있게 느껴지는 것은 그녀가 신화 속 이야기의 여신이 아니라 새로운 21세기의 살아있는 건강한 ‘비너스’이기 때문일 것이다.

래퍼는 자신의 신체를 양팔이 없는 세계적인 조각 ‘미로의 비너스’에 비유하곤 했다. 그리고 스스로를 ‘현대의 비너스’라고 부른다. 실제로 밀로의 비너스와 래퍼의 팔 없는 상체의 윤곽은 유사하고 래퍼 자신은 <밀로의 비너스>처럼 고전적인 자세를 취하고 있는 사진 작업을 하였다.래퍼는 자서전에서 다음과 같이 말한다.

“나는 초조한 기분으로 미술도서관에 가서 코와 입으로 책장을 넘기며 이런저런

책을 들추기 시작했다. 그러다가 밀로의 비너스 사진에 눈길이 멈추었다. 그것은

고대 그리스 시대에 만들어진 양쪽 팔이 없는 여성의 대리석상이었다. 눈이 번쩍

떠졌다. 아니 이것은 바로 내가 아닌가! 그 순간부터 나는 나 자신의 몸을 바라

보면서, 나 자신에 대해 어떻게 생각하는지, 다른 사람들이 나에 대해서 어떻게

느끼는지에 대해 생각하기 시작했고 지금에 이르게 되었다.”

앨리슨 래퍼는 긍정적인 성격과 굳은 의지로 장애를 끌어 안았다. “…어떤 식으로든 내가 원하는 삶을 제한하는 것들을 거부해왔다. 사람들이 어떻게 생각하든, 나도 다른 사람들처럼 인생을 충만하게 살 수 있다고 느꼈다. 나에게 무엇인가를 할 수 없다고 말할 때마다, 오히려 그 말이 틀렸다는 점을 증명하겠다는 의지가 굳어졌다. 내가 일반인들과 다른 점이 있다면 원하는 것을 달성하기 위해 그들보다 더 열심히 노력해야 한다는 것이다.”

마크 퀸은 래퍼에게 자신이 기획하고 있는 ‘장애인 조각상 시리즈’의 모델이 되어줄 것을 요구했다.

마크 퀸은 평소, 고대 조각상들이 세월의 풍파를 겪으면서 사지가 떨어져나가고

없어도 그 미적 가치는 변함없이 인정받는 것에 영감을 받았다. 미술사에서 중요한

위치를 차지하고 있는 그런 작품들처럼, 그는 원래 사지가 없이 태어난

사람들을 아름답게 표현하고 싶어 했다. 그는 불구이고 불완전하다고

생각하는 몸과 아름다움의 절정으로 여겨지는 오래된 조각상들과의 관계

를 탐구하자고 했다.

“나는 대영박물관과 루브르 박물관을 관람하며 관객들이 부서진 고전 조각상을

보며 감탄하는 것을 발견했다. 예를 들면 밀로의 비너스는 여성미의 아름다움

을 위해 짧은 팔로 존재하고 있다. 하지만 같은 공간에 실제로 두 팔이 없

는 사람의 신체를 본 같은 관객은 정반대의 반응을 보일 것이라고 생각

했다. 예술과 실제 생활과의 갭은 예술서는 받아들일 수 있고, 생활에서는

받아들일 수 없다는 것이 연구하기에 흥미로운 것 같다.”

11-1 김홍도 그림 속 숨은 이야기(씨름)

1. 계절은 언제쯤일까? 부채를 들고 있고, 씨름하고 있으니. 우리 전통 명절 중에 하나인 '단오' 단오는 음력으로 5월 5일 여름이 시작되는 때이고, 더운 여름을 대비해서 부채 선물을 주고, 남자들은 씨름, 여자들은 그네를 즐기는 전통 명절 중에 하나입니다.

씨름 하는 두 사람은 누가 이기고 있는 중일까? 앞쪽에 등을 보이는 사람의 표정이 있는 힘껏 들어 올린 듯 이길 것 같아요.오른팔 쪽 힘근육 표시를 보아 제법 큰 힘을 준 것 같아. 뒤에 있는 사람은 표정이 어두운 것이 '내가 넘어가겠구나' 하는 표정이 보입니다.

이기려고 하는 사람은 어느 쪽으로 넘어뜨릴까요? 오른쪽? 왼쪽? 밑에 구경하는 사람들의 얼굴 표정을 보면 알 수 있다. 위쪽에 사람이 오른쪽으로 넘어질 것 같아서 놀라는 표정과 함께 뒤로 황급히 물러나려고 합니다.

다음 씨름 선수는 누구일까? 얼굴을 보니 젊은 사람인 듯 합니다. 무릎을 굽히고, 등을 곧추세우고 있는 모습이 긴장을 많이 하고 있는 듯 보입니다. 신발도 한쪽에 벗어 놓았다.

씨름은 언제쯤 시작되었을까요? 팔을 턱에 괴고 누워 있는 사람이 보입니다. 씨름 구경을 시작하자마자 저렇게 피곤한 듯 누워있지는 않을 듯 합니다. 씨름 시작한지 꽤나 오랜 시간이 지나지 않았을까요.

모두가 흥미진진하게 씨름을 지켜보는 가운데 혼자서 밖을 쳐다보고 있는 사람이 보이죠? 엿 파는 소년은 씨름에서 누가 이기는 건 중요하지 않습니다. 씨름판이 길어져서 엿만 많이 팔면 되는 입장입니다.

씨름은 A4복사용지 크기()의 화첩에 22명이나 그려져 있고, 게다가 한 사람, 한 사람이 제각기 다른 표정에 다른 자세를 취하고 있다. 똑 같은 표정, 자세가 단 한사람도 없다. 특히, 작품의 전체구도를 보면 빙둘러 앉은 구경꾼으로 동그라미를 이루어 원구도를 형성하고 있다.

그들의 구심적인 시선의 한복판에 씨름꾼을 놓아 그림에 강한 통일성을 주었다. 그러한 통일성만 강조되면 그림이 답답하거나 단조로울 수 있다. 이에, 그 시선의 통일성을 깨뜨리는 장치가 있다. 엿장수 소년과, 신발 두 짝! 양반, 평민의 두 씨름선수 신발 코가 바깥쪽으로 나와 있다.

또한, 이러한 변화를 주고자 하는 장치는 또 있다. 부채, 갓, 벙거지 등이다. 이러한 것으로도 신분의 다양성을 보여주고 있다. 벙거지는 마부나 말구종이라는 사람이 쓰던 모자이다.(말뚝벙거지)

가운데 씨름하고 있는 2명을 중심으로 화면의 상하좌우 네 방면에 8명, 5명, 5명, 2명의 구경꾼들이 있다. A(8명) + E(2명) + C(2명) = 12명 B(5명) + E(2명) + D(5명) = 12명 옛날부터 12는 12달, 12시간에서 비롯하여 완전수로 여겨졌습니다. 그림 속에서 완벽한 수 ‘12’를 중요하게 여겼다는 것을 알 수 있습니다.

김홍도 화가는 한 장의 그림 속에 이렇게 다양하고 많은 이야기를 담아 놓았다.

표정 하나하나, 행동 하나하나 모두가 살아 숨쉬는 생생하게 표현된 풍속화이다.
이 것은, 김홍도가 백성들의 삶을 사랑했기 때문에 가능했으리라 짐작된다.

[출처]<김홍도 씨름> 그림속 숨은 이야기|작성자소소한 일상

11-2 김홍도 그림 속 숨은 이야기(서당)

	김홍도의 「서당」 18세기 후반, 국립중앙박물관 소장, 종이에 옅은 채색, 27.0×22.7㎝

『단원풍속도첩』에 실린 우리들에게 매우 친숙한 조선 후기 풍속화「서당」의 모습이다. 타원형 구조 속에서 눈물을 훔치는 아이를 바라보는 훈장과 학생들의 모습을 해학적으로 그린 그림이다.
이 그림 속의 서당에서는 무슨 일이 벌어진 것일까. 지금 훈장님이 한 사람씩 호명하며 공부를 해왔는지 안해 왔는지 전날에 공부했던 내용을 점검하고 있다.
맨 앞 한 녀석은 책을 등지고 돌아앉아 눈물을 훔치고 있다. 훈장님 책상 옆에는 회초리가 놓여있다. 공부를 안해 온 모양이다. 매를 맞을 생각에 겁이 난 것인지 훈장으로부터 막 매를 맞아 아파서 울고 있는 것인지 모르겠다. 종아리를 맞으려고 댓님을 풀고 있는 것인지 훈장으로부터 방금 회초리를 맞아 댓님을 매고 있는 것인지도 모르겠다. 분명한 것은 숙제를 하지 않아 훈장님 질문에 대답하지 못해 혼이 나고 있는 것임에는 틀림없다.
예전에는 전날 배운 것을 다음 날 선생님 앞에서 외워야 했다. 뒤로 돌아앉아 책을 보지 않고 다 외우는 것이었다. 등을 돌리고 앉아 외운다고 해서 이것을 등돌릴 배(背), 외울 송(誦)자를 써서 '배송(背誦)'이라고 했다. 그런데 이를 지켜보고 있는 훈장님과 학생들의 표정이 각기 달라 웃음을 자아내고 있다. 왼쪽과 오른쪽의 분위기도 또한 다르다.
훈장님은 혼이 나 우는 녀석을 보며 웃음을 참느라 애쓰는 모습이다. 지긋이 웃음을 머금고 난감해하는 표정 같기도 하다. 그러나 안쓰러운 듯 아이를 처다 보고 있어 무섭지가 않고 오히려 친근함이 느껴진다.
아이들의 표정들도 조금씩 다른 모습이다.
왼쪽 가장자리에 앉은 녀석은 입을 가린 것으로 보아 우는 녀석을 보며 외울 대목을 살짝 읽어주고 있는 것 같다. 왼쪽 줄 앞에 있는 두 아이는 이걸 보고 말하라고 하면서 책을 쓱 내밀어 주고 있는 것 같기도 하다. 부지런히 책장을 넘기며 외우고 있는 것 같기도 해 다음 차례를 기다리고 있는 것도 같다.
오른쪽 맨 끝에 앉아 있는, 다른 아이들에 비해 유독 어려보이는, 등을 보이고 있는 어린 아이가 있다. 이 아이는 책을 들여다보지 않고 자신만만하게 꼿꼿이 앉아 녀석이 혼나는 모습을 지켜보고 있다. 숙제를 자신있게 해온 모양이다. 아래쪽 두 번째로 앉은 녀석은 숙제가 미진한 지 웃을 겨를도 없이 책을 보며 열심히 외우고 있다. 다음 숙제 검사를 기다리고 있는 것 같다. 나머지 녀석들은 킥킥 웃고 있는 것으로 보아 숙제 검사를 다 마친 모양이다.  그런데 혼자서 갓을 쓰고 있는 화면 오른쪽 학생이 있다. 장가를 든 젊은이이다. 어른 대접을 받아 제일 윗자리에 앉아있고 맨 아래쪽 꼬맹이는 서당의 막내라서 끝에 앉아 있다.
조선시대의 신분제도는 양반, 중인, 상민, 천민으로 구분되어 있었다. 물론 글공부는 양반들 차지였다. 김홍도가 살던 영·정조 시대부터는 달라지기 시작했다. 장사를 해 부자가 된 상민들이 생기기 시작했다. 먹을 것이 해결되니 다음 순은 글공부해 실력을 키우는 일이었다.
이 서당에서는 양반과 상민이 같이 공부하는 모습을 그렸다. 짧은 옷차림을 한 왼쪽 아이들이 상민이고 긴 옷차림을 한 오른쪽 아이들이 양반이다.
동병상련이랄까. 혼나고 있는 아이가 상민이다. 어제 부모님 일을 도와주어 숙제를 못해 왔나보다. 그래서 왼쪽 아이들이 온갖 방법을 동원해 도와주고 있는 것이다. 오른쪽 아이들은 키득키득 웃으며 거드름을 피우고 있다. 왠지 왼쪽 아이들을 오른쪽 아이들보다 더 똑똑하게 그린 것 같다. 겉으로 드러나지 않게 은근히 양반을 꼬집은 것을 볼 수 있다.
이 풍속화는 예리한 관찰, 치밀한 구성과 함께 한국적인 따뜻한 시선, 해학과 정감이 묻어있는, 우리들에게 매우 친근한 그림이다.

김홍도는 스승 강세황의 추천으로 이른 나이에 도화서의 화원이 되었다. 20대 초반에 이미 궁중화원으로 명성을 날렸으며, 29세의 젊은 나이로 영조의 어진과 왕세자(뒤의 정조)의 초상을 그렸다. 또한 1781년 정조 5년에는 정조의 어진 익선관본을 그릴 때 한종유, 신한평 등과 함께 동참화사로 활약하기도 했다.
산수, 인물, 불화, 화조, 풍속 등 모든 장르에 능했지만, 특히 산수화, 풍속화에 뛰어났다. 또한 회화에서뿐 아니라 연주하는 음악가로서도 재능이 있었고, 서예가로도 평판이 높았으며, 빼어난 시인이기도 했다. 그의 작품에 고졸의 아취가 있어 품격이 높은 것도 이 때문인 것으로 생각된다. (두산백과)

김홍도가 정확히 몇 년에 사망했는지는 알 수 없다. 1805년 12월 아들에게 보낸 김홍도의 편지가 전하고 있고, 1805년 12월 25일 경이라고 기록되어 있는「추성부도」가 전해지고 있다. 이후 행적과 작품이 일절 전하지 않는 것으로 보아 예순 두 살이던 1806년에 사망하지 않았나 생각된다. 1809년 순조 때 김홍도의 형 홍석주가 「추성부도」가 그려진『해산첩』을 받았을 때 김홍도는 이미 사망했다고 한다.

현재 300점 정도의 작품이 전하고 있다.
- 월간서예,2018.1,125-127쪽.

[출처]김홍도의 「서당」-석야 신웅순|작성자석야

경남교육연수원 강의 원고

2019. 6. 13(목)

그림은 아는 만큼 느끼는 것입니다!

옛글에 ‘사랑하면 알게 되고 알면 보이나니, 그때 보이는 것은 예전과 같지 않으리라’란 말이 있습니다.

세월이 흘려도 변하지 않는 명화를 조금 알게 되면, 분명 전과는 다른 눈으로 그 전에 몰랐던 명화의 멋과 아름다움을 찾을 수 있을 것입니다.

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영화, 영상에서

취화선, 장승업, 백남준 비디오 아트 여,, 폴락, 드랍... 드로잉..

로댕 까미유끌로델,  고호 러빙 빈센트. 고흐 팝송,, 빈센트

상감기법.. 판화의 사인

남대문, 동대문...

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미술기본 이론, 채색도구에서...

색의 이미지.  가치. 색과 계절, 음식, 악기 소리

- 밝은 음악 : 밝고 생생한 노란 계통의 색

- 템포가 느리고 단조(minor)인 곡 (슬프거나 우울한 곡) : 어둡고 흐리고 푸른 계통의 색

[출처]음악과 색. Color or Colour|작성자작밝세 JBS

연구에서 많은 사람들이 밝은 노란색과 오렌지색을 느꼈다는 모차르트의 밝고 경쾌한 음악. 플륫 협주곡 1번 G 장조

[출처]음악과 색. Color or Colour|작성자작밝세 JBS

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천지창조 - 길이 41미터, 폭 14미터, 높이 20미터의 천장화